Cabaret (1972)

Hace mas de un año que no recomiendo un musical, y eso para mi es ya casi un crimen, así que regresemos una vez mas al mundo del canto y el baile, que todavía queda mucho por explorar. Esta vez, nos vamos a centrar una película musical bastante particular. Como ya mencioné en "Les Parapluies de Cherbourg, la mayoría de las cintas pertenecientes a este género se caracterizan por momentos musicales espontáneos, en los cuales quien canta lo hace para expresar lo que siente, acompañado usualmente de una coreografía elaborada con un gran despliegue de extras. Es por esto que se suele asociar (si se lo mira muy por encima) al musical con la fantasía y lejos de toda impresión de realismo. Sin embargo, para todos aquellos escépticos del género, existen otras opciones. Y por eso nos compete la película de hoy, el clásico dirigido y coreografiado por Bob Fosse: Cabaret.
Basada libremente en el musical de Broodway de 1966 del mismo nombre, creado por John Kander y Fred Ebb, a su vez que toma elementos de la obra en la que este último estaba basado, I am a camera de John Van Druten de 1951, y de la novela corta Goodbye to Berlin de Christopher Isherwood de 1939, la trama se centra en Sally Bowles (interpretada por la mítica Liza Minnelli en su primer protagónico), una joven estadounidense que lleva una vida bohemia en el Berlín de 1931. Sally tiene sueños de convertirse en actriz, pero por el momento trabaja en el Kit Kat Klub, donde canta y baila. La llegada del académico y escritor Brian Roberts (interpretado por Michael York, a quienes los de este nuevo milenio conocemos por su papel de Basil en las películas de Austin Powers) a la pensión donde vive Sally dará inicio a una improbable amistad en una Alemania donde el partido Nazi cobra mas y mas poder.

¿Qué hace que este musical sea diferente a los demás? Los números musicales solo se dan en el contexto del club donde trabaja Sally. Bob Fosse (que ya venia de dirigir algunos musicales en Broodway y una película) decidió que la mejor forma de adaptar el producto del teatro al cine era de esta forma, con el propósito de aumentar la sensación de realismo. Pero que no se malinterprete, las canciones no son relleno, sino que funcionan para marcar las situaciones y sentimientos que experimentan los personajes y también reflejar la transformación y decadencia de la sociedad alemana a medida que el nazismo toma cada vez mas poder en el país. Y si menciono la música, no puedo no decir que las canciones son uno de los motivos de que este film sea recordado como un clásico. A partir de que Fosse eliminó varios temas que formaban parte de la obra, Kander y Ebb escribieron nuevos que se adaptaran a la historia que se quería contar, proporcionando temones como "Mein Herr" o "Money, money". Pegadizas a mas no poder y bien escritas, siendo representativas del personaje que las canta
Hablando de quien las canta, es imposible pasar por alto las actuaciones de Liza Minnelli y Joel Grey. Cuando Minnelli se sube al escenario a cantar solo hay ojos para ella. Su voz potencia las canciones, con "Maybe this time" como uno de los momentos mas altos de la cinta. Y cuando no esta cantando cumple sin problemas con el papel de chica libre y despreocupada que busca comerse el mundo. Mientras que Joel Grey (actor que venia del teatro y fue el único de la obra en repetir su rol en la película) es el otro que se roba los aplausos. Grey interpreta al Maestro de ceremonias del club (gran fuente de inspiración para el personaje de Zidler en Moulin Rouge), que no solo se dirige y entretiene al publico del lugar, sino a nosotros, la audiencia, haciéndonos cómplices de lo que esta sucediendo. Se hace claro porque no buscaron otra persona para interpretar al personaje, Grey tiene una presencia hipnótica que hace que cada vez que aparezca no se lo pueda ignorar. Tampoco estoy diciendo nada revolucionario, los dos actores ganaron el Oscar ese año, Minnelli como Mejor actriz y Grey como Mejor actor de reparto.
Así que vean Cabaret, la pueden encontrar fácilmente por Av. de Los Incas y Torrent. Vengan por las canciones y los lindos atuendos, quédense por el planteamiento de las relaciones y el retrato de una sociedad que tenia en sus narices a uno de los partidos mas dañinos de la historia y no hizo nada. No se van a arrepentir. 

Dolor y Gloria (2019)

El año esta a punto de acabarse, y aunque parezca mentira la década también. Como es normal cuando se llega al final de un período de 10 años, las listas de "Mejores/peores películas/discos/series/libros/etc." no se hacen esperar. Si bien la idea de armar mi propia lista de películas es mas que atrapante, hoy pienso hacer algo un poco menos ambicioso y simplemente recomendarles el que yo creo es el mejor film del año (tan sola no estoy igual, la revista TIME también la posicionó como lo mejor de este 2019), una hermosa reflexión sobre la vida, el amor, los vínculos con nuestros seres queridos y la creatividad de la mano del mismísimo Pedro Almodóvar: Dolor y Gloria. 
¿De qué va la historia? Salvador Mallo (interpretado por Antonio Banderas, mítico actor fetiche de Almodóvar pero que los millenials siempre recordaremos como la voz del Gato con Botas en la saga de Shrek) es un director de cine que tuvo su momento pico en España a mediados de los 80, principios de los 90 que en la actualidad esta atravesando una crisis creativa, en parte por muy fuertes dolores de espalda y cabeza que lo aquejan, y en parte por la depresión que viene experimentando hace tiempo. A partir de que una de sus películas de los 80 se aprecia ahora como un clásico y se va a realizar una proyección de una versión remasterizada a la cual lo invitan, Salvador se pone en contacto con Alberto Crespo (interpretado por Asier Etxeandia, a quien los fans de Velvet van a reconocer), actor principal de dicha cinta y con quien no habla desde hace 30 años. Esta reconexión con Alberto y la experimentación con la heroína van a hacer que Salvador revisite su infancia, su relación con su madre, su despertar sexual y se reencuentre con un viejo amor.

¿Qué es lo que hace que esta sea la mejor película del año en mis ojos? Las emociones que la cinta despierta en el espectador. Al terminar de mirar el film uno se encuentra sintiendo nostalgia, tristeza pero a la vez felicidad de haber podido experimentar tan lindo y bien armado proyecto cinematográfico. Almodóvar crea de manera sincera y directa una autobiografía que es un placer de ver (casi que se podría decir que es un hermana lejana de All That Jazz de Bob Fosse). Se siente como un encuentro intímo con el director, en el que, sin pelos en la lengua y gracias a la sabiduría que aveces traen los años (aveces los años traen otras cosas menos sabiduría), repasa su vida y la resignificación de varios momentos a lo largo de la misma, desde su infancia y su primer encuentro con el deseo sexual, pasando por sus relaciones amorosas mas significativas hasta la relación, ya de grande, con su madre y todos los sentimientos de culpa y melancolía que implica el no haber estado tan presentes el uno en la vida del otro. Un guión realmente bien construido y redondo por donde sea que se lo mire.

Y si se habla de una historia bien contada es necesario actores y actrices que estén a la altura y por suerte esta cinta los tiene. Banderas esta mejor que nunca. Sin dudar digo que es la mejor actuación de su carrera. En cada uno de sus gestos y movimientos se sienten los años de experiencias, vivencias y dolores que el personaje tiene encima. Penélope Cruz y Julieta Serrano están mas que bien como la madre de Salvador en dos momentos claves de su vida, de niño siendo una figura mas severa que se preocupa por la educación de su hijo, y ya con él grande y ella anciana y arrepentida de como manejó su crianza. Nuestro querido Leonardo Sbaraglia tiene un pequeño papel pero como es Leo Sbaraglia se destaca sin problemas. 

Asi que no pierdan el tiempo y vean Dolor y Gloria. Si puede ser acompañados con algún ser querido, mejor. Esta para conseguir fácilmente en Av. de los Incas y Torrent. Van a pasar un lindo rato y es una de esas experiencias, chiquita y sencilla, que nos recuerdan de porque existe y nos gusta tanto el cine. 

           

Heart Like A Hand Grenade (2015)

Si hay algo que caracterizó al 2004 fue el disco American Diot, del trío californiano Green Day. Lugar adonde fueras, lugar que probablemente estuviera sonando la canción que le da nombre al álbum (y sentirte un completo rebelde al escucharla), Boulevard of Broken Dreams o Wake Me Up When September Ends. Los cinturones llenos de tachas, camisas negras y corbatas rojas con los ojos bien delineados se volvieron un look icónico. Y el sentimiento de querer llevarse por encima a los políticos de turno era universal. Aunque parezca mentira, este 20 de septiembre se cumplen 15 años de la salida de American Idiot, y no creo que haya mejor excusa que semejante aniversario para recomendarles el documental sobre la creación de uno de los discos que definiría la década de los 2000: Heart Like A Hand Grenade (Corazón Como Una Granada De Mano).
Antes que nada, un poco de contexto. Si bien Green Day venia de ser una de las bandas mas grandes de la década de los 90, para principios de los 2000 la decepción comercial que había sido el disco Warning ponía en duda si el momento del trío ya estaba llegando a su fin. Al mismo tiempo, ninguno de los integrantes estaba pasando por su mejor momento en lo personal y la relación entre los tres era más frágil que nunca, al punto de Billie Joe Armstrong llamar y preguntarle a Mike Dirnt si quería seguir con la banda. A pesar de todo, los muchachos se metieron en el estudio para grabar su nuevo álbum, con el que pensaban darle frescura a su música... Cigarettes and Valentines (¿lo qué?). Pero, como salido de una comedia disparatada de la época, los demos de todo lo que tenían hasta el momento fueron robados. Sin tener muy claro como continuar después del robo, la banda consultó a su productor de toda la vida, Rob Cavallo (no relacionado en nada con el "queridísimo" Domingo Cavallo), que hacer. A partir de la pregunta de Cavallo de si el material robado representaba su mejor trabajo, los tres de Oakland decidieron arrancar desde cero, esta vez siguiendo la idea de Billie Joe de realizar un disco conceptual, una "ópera punk rock" como él la llamó, sobre la desilusión y desencanto de la generación que por esa época estaba viviendo en primer persona conflictos bélicos. Algo muy ambicioso que podía terminar de enterrar la carrera de Green Day o revitalizarla en el nuevo siglo que recién comenzaba.

   
Si bien con el diario del lunes es fácil hablar del éxito tremendo que fue American Idiot (alcanzó el puesto n° 1 de ventas en 19 países, incluido nuestro bello país, le presentó Green Day a toda una nueva generación de jóvenes y es considerado uno de los mejores discos del siglo XXI), en ese momento significó un riesgo enorme para la banda. Los álbumes conceptuales no eran lo mas común para esa época, más en el género punk, y las canciones de 9 minutos de duración con varios cambios musicales eran impensadas para lanzar como singles. En el documental se ve como el trío, sobre todo Billie Joe, ya venían bastante podridos de lo que la prensa especializada (que los venían boludeando hace tiempo por querer experimentar un poco mas fuera del sonido punk) y algunos puristas del género decían sobre ellos y se nota que este disco se grabó en plan "vamos a hacer las cosas de la forma que se nos cante y que el resto se la banque". Y eso es justamente lo que el documental muestra, como van craneando las estructuras de las canciones, de donde Billie Joe saca inspiración para algunas de las letras, la mayor participación en el proceso de composición por parte de Mike y Tré (que nunca abandona su tan extravagante forma de ser, ni siquiera para grabar), el armado de todo lo que seria el arte conceptual del disco, incluido el nacimiento de la ahora icónica imagen de la granada con forma de corazón, la creación de temas que quedarían afuera del álbum y que recién verían la luz varios años después y la presentación de las nuevas canciones por primera vez frente al público.     
Es para destacar que todo el documental está grabado, en su mayoría, con una cámara de vídeo digital (de esas que a principios de los 2000 eran bastante populares entre la gente de clase media), cortesía del director y amigo de la banda, John Roecker. Roecker se enteró de las ambiciones de los muchachos para su nuevo proyecto y se ofreció a documentar todo el proceso. Esto le da a la película la sensación de algo casero, estar entre conocidos, de estar viendo esos vídeos familiares de parientes en sus años de juventud, y que se siente menos manufacturado que otros documentales que cuentan con todo un equipo de cámaras, iluminación y sonido. Además de que el director tiene algunas decisiones de edición mas que interesantes y que suman a su estilo particular.
Así que son fanáticos de Green Day, o si American Idiot marcó su adolescencia/infancia o si simplemente son amantes de la música, busquen Heart Like A Hand Grenade por ahí y vuelvan a revivir todos sentimientos gloriosos de rebeldía adolescente. 

The Haunting (1963)

Hablemos de los clásicos indiscutidos de la "época dorada" del cine. Esas películas que se estrenaron entre la década del 30 y del 60, que fueron revolucionarias, éxitos tanto con el publico como con la crítica, posicionados cariñosamente en el imaginario colectivo de la sociedad, o tal vez en su momento de estreno no causaron mucho revuelo pero poco a poco se fueron ganando adeptos, convirtiéndose en films que influenciaron a muchos cineastas. La pregunta es ¿esos clásicos se mantienen hasta el día de hoy, después de mas o menos 50 años? Algunos si, conservan la fuerza intacta que generaron cuando se proyectaron por primera vez. Otros, el tiempo no les ha hecho ningún favor. Sin embargo, existen también un grupo de cintas cuyo efecto original ha mutado, el paso de los años lo ha modificado, pero sin perder varios de los aspectos que las hicieron destacar en un primer lugar. Y la película que les recomiendo hoy es un gran ejemplo de esto último, el clásico de "terror sobrenatural" de los 60: The Hauting (traducida como La Mansión Embrujada).
Basada en la novela de Shirley Jackson de 1959, The Haunting Of Hill House (si, la serie de Netflix  esta libremente inspirada en el mismo libro), la trama se centra en la mansión Hill House, de 90 años de antigüedad, y que desde el momento de su construcción tiene fama de maldita. El antropólogo, John Markway (interpretado por Richard Johnson) tiene el objetivo claro de demostrar que la maldición es cierta, por lo que arma un "experimento" que comprende convocar a gente que ha experimentado con lo sobrenatural y pasar unos días en la mansión. Entre los convocados se encuentra la frágil Nell (interpretada por la capa del teatro, Julie Harris), que luego de cuidar por 11 años a su enferma madre, experimenta una severa culpa. La psiquis cada vez mas inestable de Nell y el ambiente mas que siniestro que se respira en la casa no va a tener buenos resultados.
¿Por qué digo que esta película ha mutado con los años? Si uno lee lo que se ha dicho de esta cinta, se la considera uno de los films de horror mas aterradores de la historia, con adeptos del talle de Martin Scorsese. Pero con todo lo que hemos visto en pantalla últimamente, tanto en cine como series y videojuegos, lo que se consideraba como "horror" en esa época, hoy pierde impacto. Si se mira la película buscando horror tal vez uno se quede con gusto a poco. Sin embargo, como film de suspenso y terror psicológico con algunos elementos de lo sobrenatural, funciona de maravilla. AVISO: nunca vemos nada, ningún espíritu o monstruo, pero gracias a una ambientación excelentemente construida a partir de la música, efectos prácticos y unos planos y movimientos de cámara inusuales en el género para la época, cortesía del director Robert Wise (que demostaria ser uno de los directores mas versátiles, con un currículum que incluye West Side Story, The Day The Earth Stood Still y la primera de Star Trek, entre otras), estamos con todos los sentidos atentos, expectantes de lo que puede suceder a continuación.
A su vez, la forma en que se retrata el estado mental de Nell, con una psiquis ya frágil por todo lo experimentado con su madre y al límite de perder contacto con la realidad, es atrapante. Mucho se debe a la actuación de Julie Harris, actriz de método que durante el rodaje de la cinta sufrió de depresión, lo que le da toque extra de realismo a su interpretación, y otro mucho al guión escrito por Nelson Gidding, especializado en adaptar materiales de otros.
Así que busquen The Haunting (la encuentran fácil por la interness) y veanla. Sabiendo que es mas una película de suspenso que de horror, se disfruta mucho. AVISO N°2: fijarse bien de descargar la original del 63, y no caer en la trampa de bajar la remake del 1999, que es una falta de respeto en todos los sentidos.

Down By Law (1986)

Seguimos en el mundo de los films independientes pero primero, ¿qué clasifica como película independiente? Básicamente, toda cinta que sea producida fuera del sistema de los mayores estudios de cine, cuyo financiamiento y distribución se encargan las compañías independientes de entretenimiento, por lo que su presupuesto es considerablemente menor que cualquier producción de uno de los estudios grandes (Warner, Sony, Disney, etc). Irónicamente, como ya dije en las ultimas dos entradas del blog, todos estos factores solo ayudan a que los cineastas posean mas libertad a la hora de contar las historias que desean contar, siendo estas distintas, y la forma para contarlas únicas y originales. Y que mejor para hablar sobre este tipo de cine que con uno de sus referentes norteamericanos de los últimos 30 años, Jim Jarmusch, y su película de 1986: Down By Law (traducida por estos lares como Bajo El Peso De La Ley).
¿De que va la historia? Zack, un DJ de radio (interpretado por Tom Waits, el cantante con la voz mas grave del norte), Jack, un proxeneta (interpretado por el músico de jazz John Lurie, que ya venia de demostrar sus dotes actorales en el film anterior de Jarmusch) y Roberto, un turista italiano que entiende muy poco inglés (interpretado por el siempre carismático Roberto Benigni en su primer rol fuera de Italia) son encarcelados en la misma celda en una prisión de Nueva Orleans. A fuerza de pasar los días encerrados los tres juntos, una especie de relación va a surgir entre el trío.

A no confundir, este el film no es del estilo de The Shawshank Redeption, con grandes charlas filosóficas sobre la libertad y la búsqueda de redención, ni tampoco se parece a las cintas de planificación y escape de prisión a lo Escape From Alcatraz (aunque esta ultima si recibe un pequeño guiño). No señor, lo que le da su particularidad a esta cinta es evitar repetir esos caminos. La forma en que los personajes se vinculan es a través de charlas mas superficiales, juegos de cartas y cánticos sin sentido, pequeños gestos. No por eso una amistad menos significativa. Aunque breve, un vínculo que deja sus marcas. Por eso Jarmusch, con su ritmo narrativo tranquilo tan característico, ni se gasta en mostrar como es que los sentencian y los mandan a la cárcel, como planean y terminan escapando, por ahí no pasa el foco.
Para destacar también el pequeño elenco. Tanto John Lurie como Tom Waits cumplen sin problemas con el papel que se les dio (que si tenemos en cuenta todos los/las cantantes que no pueden expresar una emoción y actúan igual, creo que esta muy bien). Sobre todo Waits, que tiene un magnetismo innato que hace imposible no prestarle atención cuando aparece en escena. Además ambos aportan a la banda sonora, lo cuál es un lindo plus. Pero quien se lleva todos los aplausos es Roberto Benigni. Cuando se hace presente es cuando la cinta termina de iluminarse, una sonrisa se te dibuja mágicamente con solo verlo. Cada movimiento, cada gesto, cada frase, el timing cómico que maneja es de admirar. En especial si se tiene en cuenta que su personaje es el pegamento que mantiene junto al trío protagonista.
Denle una oportunidad y miren Down By Law. Como diría un gran sabio: "la pueden encontrar fácilmente allá por Av. Alcorta y Torrent". No dejen que el hecho que sea blanco y negro los tire para atrás, va a ser una linda forma de pasar una hora y cuarenta de su vida.

Historias Extraordinarias (2008)

Hoy es el día. Después de dos años de existencia, este blog le abre la puerta al cine argentino. Desde que tengo uso de razón alguna vez escuché la frase "El cine argentino es una cagada" o "Acá en Argentina no se produce nada notable en cuanto a cine". Lo cual, si se presta atención solo a las películas que llegan a las carteleras de las grandes cadenas de cine y que cuentan con una campaña de publicidad importante, puede llegar a tener sentido. Salvo excepciones, las grandes producciones argentinas suelen quedarse a mitad de camino o rozar lo mediocre (ni entremos en lo que es el género comedia o comedia romántica porque podemos estar nadando en ese basural por horas y horas) y solo algunos de los aclamados "Clásicos" resisten el paso del tiempo. Pero si uno decide mirar mas allá de eso, y se mete en el mundo de los films independientes, se va a encontrar con una paleta muy amplia de historias, para todos los gustos y colores, contadas de mil formas distintas. Esto no evita que hayan productos fallidos, eso es inevitable, pero al menos la originalidad del intento hace la experiencia mucho mas interesante que la típica cinta mainstream. Y eso nos lleva a la película de hoy, una que mientras mas la pienso mas se esta convirtiendo en una de mis preferidas que este bello país nos ha dado: Historias Extraordinarias.
Si hay algo que no podemos decir de ese título es que sea falsa publicidad. ¿Cuál es la trama? Tenemos tres protagonistas, X, Z y H, cada uno con su historia independiente, quienes viven en diferentes ciudades del interior de la provincia de Buenos Aires y cuyas vidas son completamente ordinarias. Pero por las vueltas del destino, el primero mata por accidente a alguien y decide esconderse en un hotel, el segundo se obsesiona con la vida del que ocupaba su actual puesto de trabajo, fallecido hace poco y el último termina haciendo un encargo que no comprende para una apuesta de la cual no sabe de su existencia. Así, cada uno va a terminar metido en su propia pequeña aventura.
¿Por qué me gustó tanto esta película? Para empezar, esta contada de una forma muy particular: el 95% del film esta narrado. Salvo por un par de líneas por aquí y por allá, no hay más dialogo. La cinta funciona casi como un audiolibro, una novela de ficción separada en partes y a su vez en capítulos que nos es leída por alguien mas (las voces de Juan Minujin, Daniel Hendler y Verónica Llinás en este caso), y que en vez de usar nuestra imaginación para ponerle imágenes a las palabras, la película nos las brinda por nosotros. Que esto no resulte cansador es hazaña de Mariano Llinás, que además de dirigir y estar a cargo del guión, actúa. La forma de escribir de Llinás es bellísima, narrando la cotidianidad con mucha poesía, de una forma que a veces recuerda a Borges. A pesar de durar cuatro horas, cada final de capítulo te deja con ganas de más, como es la buena literatura.
Lo otro que hace destacar a este film es que todo el film sucede en distintas ciudades, pueblos y parajes del interior de la provincia de Buenos Aires (Azul, Alberti, Coronel Pringles, etc), algo que es poco común en las producciones argentinas, donde usualmente el Gran Buenos Aires es el fondo de la historia, y por lo tanto le da mucha frescura a la cinta. Siendo una persona que proviene de una ciudad chiquita (con alma de pueblo) en el centro de la provincia, cada personaje, cada detalle sobre como es un día cualquiera en uno de estos lugares, alejados de la gran metrópolis porteña, es muy acertado. La película se siente (o al menos así fue para mi) como una carta de amor a la gente del interior y sus historias, como siempre detrás del dicho "En los pueblos nunca pasa nada" en realidad hay vidas y experiencias increíbles, que parecen sacadas directamente de la ficción.
Vean "Historias Extraordinarias", esta en youtube al alcance de todos. No se asusten por su larga duración, se puede ver tranquilamente una parte por día (esta dividida en 3, de una hora y media cada una) como si fuera una trilogía. En mi opinión, se aprecia mucho más de esa forma. Es una cinta hecha con un presupuesto mínimo y mucha pasión, sin necesidad de grandes productoras detrás o caras conocidas (salvo por una breve aparición de Esteban Lamothe, injunable por esa época) para contar lo que desea contar. Es única y original, y eso nunca esta demás.

   
 

The Lobster (2015)

Dejamos de lado por un rato las películas de dudosa calidad para volver a los films que son realmente buenos. Y nada mejor para eso que recomendarles una cinta que tiene todos los ingredientes para convertirse en un clásico de esta década. ¿Sociedad muy parecida a la de la realidad pero con elementos de una distopia, estilo A Clockwork Orange o Her? Lo tiene. ¿Agudo y acertado comentario sobre algún aspecto de la sociedad como 1984? Claro que si. ¿Un final abierto a interpretación digno de una buena charla con amigos intercambiando posibles alternativas con café de por medio después de terminar la película, a la Inception? AFIRMATIVO. Y todo esto con un bello tono de comedia negra. ¿De qué film estoy hablando? Ni mas ni menos que la particular y genial The Lobster (La Langosta en español).
¿De qué trata? En la sociedad no se acepta la gente sin pareja. Seas soltero/a, viudo/a o tu pareja te haya engañado y dejado por otro/a, no importa, todas las personas solteras son enviadas a un hotel donde tenes 45 días para encontrar compañero/a romántico. Si una vez pasado el plazo la persona sigue sola, es convertida en su animal de preferencia por el resto de su vida. Así como suena, es la ley. Los individuos sin pareja que no aceptan esta orden social viven recluidos en el bosque como parias, escapando constantemente de la ley. En este contexto seguimos a David (interpretado por un bigotudo y panzón pero no por eso menos versátil Colin Farrell), un hombre que es dejado por su mujer y por lo tanto es llevado al hotel, con 45 días para volver a formar pareja. En un lugar lleno de gente bastante particular en la misma situación, algunos aceptando tranquilamente que tal vez sean convertidos en animales, otros desesperados por encontrar su "media naranja", David hará su mejor esfuerzo por volver a cumplir con los requisitos sociales y no terminar como una langosta (su animal de elección) pero las cosas pueden tomar un giro inesperado.
¿Qué es lo que hace especial a este film? Sin duda el guión, que es la estrella indiscutida de la cinta, lleno de humor negro. La forma en que satiriza el mundo de las relaciones románticas es muy gracioso, y lo mas importante, muy acertado. Y lo que lo hace destacar es que nos da las dos caras de la moneda. Porque si, la mayor parte de la película hace una crítica a como la sociedad trata a la gente soltera, como personas que no valen nada, no aportan a la humanidad, si están solas, equivalentes a animales. Muchas veces se comete el error de creer que alguien es definido por la persona que lo acompaña. Pero asimismo hay su porción de palos para como los/as solteros/as miran y prejuzgan a las parejas, como si decidir compartir tu vida con otro individuo equivale a pena de muerte. Esto acompañado por frases filosas que dan justo en el blanco (el comentario sobre el rol que aveces juegan los hijos en los matrimonios es maravilloso). Todo se complementa con escenas con un ritmo bastante particular, bien características del director y co-guionista griego Yorgos Lanthimos (quién se esta perfilando como uno de los cineastas mas interesantes y originales de la actualidad) lejos de la superedición y velocidad que siempre ofrecen la películas de comedia romántica hollywoodenses, lo que resulta fresco y sirve para apreciar la fotografía y la banda sonora.
Para completar, tenemos un amplio elenco que cumple con creces con los papeles que se les dio. Además de Colin, tenemos a Rachel Weisz (que luego volvería a trabajar con Lanthimos en The Favourite) cuyo rol implica no demostrar ningún tipo de sentimientos emotivos si es que quiere sobrevivir y a la vez dar señales muy sutiles de estar enamorada, Léa Seydoux (la francesa a quien pueden conocer como una de las protagonistas de Blue Is The Warmest Color), que interpreta sin problemas a la líder del grupo de los solteros que no tiene problema de hacer lo que sea con tal de que se obedezcan sus reglas, y unos muy coloridos personajes secundarios de la mano de los siempre geniales de John C. Reilly y Olivia Colman.
Aprovechen que esta disponible en Netflix y miren The Lobster. Sus dos horas ni se notan. Es un oasis de originalidad entre tanto remake, secuela y producciones basadas en algo, con un inteligente e interesante análisis social de como nos relacionamos y a que le damos importancia cuando nos fijamos en el otro. Puntos extra por un final que te deja recalculando y pensando distintas teorías posibles, algo que no sucede muy seguido últimamente. 

Acto De Violencia A Una Joven Periodista (1988)

Después de unas vacaciones y siguiendo en la vena de películas tan malas que son buenas, en la entrada de hoy se va a tratar una cinta bastante particular. Porque si bien se la puede agrupar dentro del mismo subgénero en el que también se encuentra Showgirls, puesto que ambas apuntaban al éxito y compartían ser proyectos ambiciosos, para fallar espectacularmente y por último ganar un público devoto convirtiéndose en un film de culto, las circunstancias de producción, su distribución y la causa de su nueva fama no podrían ser mas diferentes una de la otra.Y mientras que una parte de lo que hace tan notables a las cintas de culto como The Room o Plan 9 From Outer Space es el fenómeno que se arma alrededor de ellas, con gente vistiéndose como alguno de los personajes o llevando elementos significativos al film para participar de la proyecciones, en este caso el verdadero tour de force es la película en sí. Estoy hablando de ni mas ni menos que la que es considerada por varios como la peor película uruguaya, el nuevo clásico para juntadas con amigos: Acto De Violencia A Una Joven Periodista.
Primero lo primero, ¿de qué trata el film? Como bien su título indica, nuestra protagonista es Blanca (interpretada por Blanca Giménez, cuya carrera actoral después de esto es 404 error not found), una periodista radial que se encuentra en el medio de la realización de un informe sobre la violencia (así de general como suena). A su vez, gracias a su "única" amiga, Blanca conoce y se enamora perdidamente de Carlos. Pero no todo es color de rosa en la vida de la joven periodista. Un asesino psicópata sigue bien de cerca los pasos de nuestra protagonista con el único motivo de venganza contra ella y todos sus seres queridos.
¿Qué es lo que hace especial a esta cinta de la que probablemente jamas escuchó hablar en su vida? Tranquilamente podría adjuntarles el link del vídeo que hizo Te Lo Resumo Así Nomas donde en un minuto da suficientes razones para verla (mírenlo igual porque esta genial) pero si tuviera que describirlo en una sola palabra, bah, dos, seria: bajísimo presupuesto. El director, Manuel Lamas (de quien se sabe poco y nada y que solamente a partir de investigación en 2106 se dio a conocer que habia muerto en el 2004) no tenia ni un peso partido al medio a la hora de realizar el proyecto de su sueños, por lo que no solo se ocupo de la dirección y el guión sino también de la producción, la edición y de la musicalización. Como un Tommy Wiseau uruguayo pero sin ambiciones de ser actor y sin los millones de dolares de precedencia sospechosa. Pero Lamas se había puesto un objetivo, ni el Estado ni una gran productora iba a financiar su película. No señor, este iba a ser el primer video-film sin el apoyo de ningún subsidio o ayuda especial que iba a servir de inspiración para próximos cineastas de seguir este camino (como bien se puede ver en el texto escrito en papel del principio que Lamas filmó, porque ni siquiera había presupuesto para armar uno en postproducción). Sin embargo, el uruguayo se las ingenió para recibir algo de dinero de empresas privadas como Coca Cola, Wrangler, Hotel International ofreciendo poner "sutiles" propagandas de las mismas a lo largo de la cinta, o incluyendo marcas igual y luego exigirles que le pagaran. A pesar de todo su esfuerzo, la casi inexistencia de un presupuesto se nota, mucho, pero ese es parte del encanto de la película. Filmado con una sola cámara (olvídense de variedad de planos porque mover la cámara y repetir la escena era mucho trabajo)  y editada con, lo que parece, dos videocaseteras, por lo que la calidad visual y sonora se asemeja mas a un vídeo casero que hizo tu papá para tu primer cumpleaños que un film para estrenarse en cines.
El guión es lo otro que brilla maravillosamente, lleno de inconsistencias y cambios de rumbo hermosos, elevado por actuaciones de gente cuyo único crédito actoral es esta cinta. Si bien el personaje del asesino desarrolla su sed de venganza y arma su plan (el momento donde se va hasta las orillas del río para gritar a los cuatro vientos lo que planea hacer es un placer de ver) en el comienzo, la primer media hora de la película se podría clasificar casi como semidocumental ya que se nos muestra, sin ningún tipo de corte o edición, las entrevistas completas que Blanca hace sobre la violencia; para que los siguientes 40 minutos sean una película romántica donde vemos a la protagonista vivir un apasionado romance con el primo de su mejor amiga; hasta que en los últimos 20 minutos el asesino decide poner su plan en acción. En el medio hay escenas del calibre de un momento musical que nada tiene que ver con nada con el simple propósito de hacer publicidad a un cabaret o una cena que incluye panchos. Asimismo somos deleitados con conversaciones sobre nacionalismo, identidad nacional y devolverle al país lo que nos dio al crecer, y escenas con un gran sentido de cotidianidad e intimidad como tener una charla post-sexo sentados en la cama con una teta al aire sobre que comer después.           
Mientras que Showgirls fue ganando el estatus de culto gracias a su edición en VHS y las repeticiones en la televisión, Acto de Violencia se hizo conocida a partir de que un amigo del director subiera la película a YouTube en el 2010, donde puede ser encontrada hasta el día de hoy, siendo usada para las proyecciones que se organizan todos los años en Montevideo y que de a poco se están realizando en Buenos Aires. Y ahora yo les traigo la idea de utilizarla en reuniones de amigos como juego de bebida porque funciona perfectamente como tal. Tomen un trago cada vez que: aparezca alguien tomando una Coca o algún otro tipo de publicidad obvia, aparezca la voz en off de alguien leyendo con la pasión de quien lee la lista del super, alguien diga "Date vuelta", alguien diga "Bebote", cuando se use un innecesario slowmotion, cuando el sonido se corte para que empiece a sonar la banda de sonido. Si se les ocurre alguna mas bienvenidos.
Si necesitan mas motivos para ver la película la verdad que ya no se que decirles. Diversión asegurada para toda la familia (¿?), un verdadero espectáculo que debe ser experimentado en su gloriosa hora y media de duración al menos una vez en la vida, un regalo de nuestros vecinos uruguayos.