This is Spinal Tap (1984)

Hablemos del mockumentary. ¿Qué es el mockumentary? Combinando las palabras "documentary" (documental) y mock (burla), este subgénero cinematográfico se refiere a hechos ficcionales presentados con el formato de un documental. Se recurre a este estilo cuando se quiere hacer un comentario sobre algún evento en particular, sobre algo mas general, como la situación política, la fama, etc., o hasta para parodiar el género documental mismo. En la mayoría de las veces estos tienen un tono cómico. El mockumentary es algo muy común por estos días, siendo usado tanto en cine, series y web-series. Algunas de las series mas populares y queridas de los últimos años son con este formato, desde The Office (tanto la versión del UK como la US), Modern Family a Parks and Recreation, por nombrar algunas (acá en la Argentina parece ser mas explotado en las web-series como Famoso de Martín Garabal o Eléctrica de Esteban Menis). Si bien se pueden encontrar ejemplos de este subgénero en la década del 50, gano notoriedad a mediados de los 80 gracias a la película de la que vamos a hablar hoy, un clásico indiscutido y una de las mejores sátiras de la historia: This is Spinal Tap (Esto es Spinal Tap en español).
¿Sobre qué trata este "falso documental"? Martin Di Bergi (interpretado por Rob Reiner, que a su vez debutaba como director y luego nos daría mas clásicos como Stand by me o Misery) es un cineasta que decide filmar la gira norteamericana que la banda inglesa de heavy metal Spinal Tap va a realizar para promocionar su nuevo disco "Smell the glove" (Huele el guante). Mientras Martin va entrevistando a los miembros del grupo, formado por el guitarrista Nigel Tufnel (interpretado por Christopher Guest, que luego pasaría a dirigir sus propios mockumentaries como Best in show), el vocalista David St. Hubbins (interpretado por Michael McKean, que varios pueden ubicar por ser el hermano de Jimmy en Better Call Saul) y el bajista Derek Smalls (interpretado por Harry Shearer, quien se convertiría en parte esencial de Los Simpsons, dandole a voz a personajes como el Sr. Burns, Skinner y Ned Flanders. entre otros), y repasando su historia (que incluye un sinfín de bateristas que murieron en situaciones extrañas), la banda va a chocarse con sus propias pretensiones y la realidad de que tal vez no son tan grandes como creen.

¿Qué es lo que hace de esta película un clásico? Pues la respuesta es simple: lo atemporal que es. Si bien el heavy/hair metal ya no es popular, los artistas tan hundidos en su propia pretensión que no pueden ver las cosas como son es algo que jamás se acaba, por lo que cada chiste se puede aplicar tranquilamente a los músicos de hoy. Es mas, en la actualidad que te digan "Spinal Tap" es considerado un insulto en el mundo de la música, puesto que están sugiriendo que sos un pretencioso y te estas mandando cualquiera. Al momento de estrenarse, mucha gente creyó que Spinal Tap existía realmente porque cada excentricidad mostrada en el film era algo que se podía encontrar en recitales de la época. A su vez, varios artistas al ver la película creyeron que la cinta trataba sobre su banda, ya que varios de las discusiones y sucesos mostrados les había pasado en un momento u otro. Lo mejor de todo es como están estructurados los chistes, arrancando con cosas "normales" dentro del género metalero pero mientras mas avanza el metraje mas se eleva la ridiculez, llegando a situaciones hilarantes. Asimismo, el film es una parodia de los documentales de rock que habían salido en los 70, como Gimme shelter de los Rolling Stone o The song remains the same de Led Zeppelin, que endiosaban e idealizaban a los artistas y servían como un producto para alimentar su ego.
Como plus, todo el elenco la rompe en sus respectivos papeles (pueden encontrar una Fran Drescher pre-fama que ya auguraba que los 90 iban a ser suyos). No importa que tan ridícula sea la escena o el dialogo, los actores/actrices lo realizan con una total seriedad que suma con creces a la comedia. El trío protagonista también se encargo del guión (además de Reiner) y de escribir las letras de las canciones, que les aseguro que dejan en vergüenza a cualquier tema que intento utilizar sutilezas para referirse al cualquier tipo de acto sexual.
Así que aprovechen el tiempo libre y miren "This is Spinal Tap", van a pasar un muy buen rato. La pueden encontrar fácilmente para descargar o para ver online subtitulada por ahí. A ver, hasta J.K. Rowling tomó inspiración de esta película cuando pensó en el puesto de profesor de Defensa contra las Artes Oscuras y que nunca un profesor quede fijo. Si eso ya no es motivo suficiente para que la miren, no se que mas les puedo decir.

     

Les Yeux Sans Visage (1960)

Hablemos de películas que fueron grandes influencias en cineastas. Esas que quedaron grabadas en la mente de directores/as, guionistas, actores/actrices, etc. y tarde o temprano aparecen de alguna forma en su trabajo y que muchas veces no son tan conocidas como los films que inspiraron. Muchas se sostienen a pesar del paso del tiempo y siguen teniendo la misma potencia que cuando se estrenaron, mientras que otras tal vez ya no posean la capacidad de impacto que tuvieron en su momento pero que igual merecen ser vistas por el valor cinematográfico que tienen y sirven para entender como llegamos a ciertas películas. En esta ultima categoría nos vamos a centrar hoy, mas específicamente en la cinta francesa de principios de los 60: Les Yeux Sans Visage (Los Ojos Sin Rostro en español).
¿De que va la trama? Basada en la novela escrita por Jean Redon con el mismo nombre, la historia sigue al Doctor Génessier (interpretado por el francés Pierre Brasseur), quién acaba de identificar el cuerpo de su hija, que luego de un accidente automovilístico que sufrieron ambos había desaparecido de la clínica donde estaba internada. Génessier y su fiel asistente Louise (interpretada por la gran actriz italiana Alida Valli, que estuvo en clásicos como The Third Man o Suspiria, entre otros) realizan el funeral, pero hay algo que los perturba. Al mismo tiempos la policía esta siguiendo el misterioso caso de chicas jóvenes, rubias y de ojos claros, que desaparecen y los cuerpos de algunas son encontrados sin vida y sin cara. Pareciera que en la casa de Génessier están sucediendo cosas raras, se escuchan constantemente ladridos de perros y una figura misteriosa circula por el lugar. ¿Sera posible que el respetable doctor esconda algo?
Leyendo solamente la sinopsis ya se puede entender porque esta película fue una gran influencia para futuras generaciones, especialmente dentro del género del terror. Desde Carpenter para la creación de la máscara de Michael Myers en Halloween, pasando la cinta de acción Face/Off de John Woo hasta Almodóvar y el film La Piel Que Habito (Glenn Danzig también pero mejor ignoremoslo), han dejado en claro la importancia que tuvo esta película. Y es que hay varios elementos explotables. Un padre que se mueve entre la línea de lo moral y lo inmoral, impulsado por el amor por su hija, operaciones estrafalarias, máscaras icónicas, un planteo interesante sobre hasta que punto estamos dispuestos a llegar por amor y culpa, sin preguntarnos antes que realmente desea la persona por la que lo estamos haciendo, etc.
Ahora, ¿por qué ubico a esta cinta en el grupo de films que no tienen la misma fuerza que cuando salieron? Primero, si bien inspiró a muchos del palo del terror, la película no creo que se podría clasificar como tal. Puede haber alguna que otra escena medio gore pero me parece que se ubica mejor como suspenso con toques psicológicos por los temas que trata. Esa pequeña confusión puede generar expectativas que jamás van a ser cumplidas y ni siquiera es culpa de la cinta. A su vez, se siente que la estructura narrativa es despareja. Arranca muy bien, la historia te mete de lleno y te intriga, pero luego baja la velocidad y para el final, la resolución se siente algo apresurada. Por suerte, todos los actores cumplen sin problemas con sus papeles y en ningún momento la película se vuelve tediosa.
A pesar de todo, miren Les Yeux Sans Visage, es entretenida y sirve para entender como terminamos con varios elementos característicos de los films de terror de los 70 y los 80. La consiguen por ahí.

The Three Flavours Cornetto Trilogy (2004-2013)

¿Qué tal? ¿Cómo andan? ¿Cómo los trata la cuarentena? Yo por mi parte estoy un poco saturada de que casi todas las recomendaciones de películas que vi sean sobre temas relacionados a la pandemia que estamos viviendo, por lo que, aprovechando el abundante tiempo libre con el que cuento, voy a hacer algo que venia queriendo hacer hace mucho y dedicarle una entrada a mi director preferido de todos los tiempos y su santa trilogía cómica: Edgar Wright y The Three Flavours Cornetto Trilogy o la Trilogía del Cornetto como se la conoce por estos pagos. Primero, vamos por partes. ¿Quién es Edgar Wright y qué hace que sea mi favorito? Wright es un director y guionista británico que se caracteriza por su humor, no solo en el diálogo, sino también visual gracias a una edición bastante frenética, varias referencias a la cultura pop y una musicalización muy cuidada. Es un verdadero cinéfilo, que en cada entrevista que da deja en claro que su pasión es el cine y que ama poder dedicar su vida a hacer películas. Todos esas características recién mencionadas son motivo suficiente para que sea mi cineasta preferido. Amo con pasión y locura el 90% de su material (todavía no vi su primera cinta A Fistful of Fingers y la serie Asylum, así que no les voy a mentir), lo puedo ver mil veces sin cansarme y creo que no tienen desperdicio. Y eso nos lleva a la trilogía que nos compete hoy.

¿Qué es The Three Flavours Cornetto Trilogy? De la misma manera que en la entrada anterior Oldboy formaba parte de un trilogía antológica porque las tres películas estaban atravesadas por una misma temática, acá tenemos tres films que no solo tienen un mismo motivo (parodias de otros géneros) sino que comparten el mismo dúo de actores protagonistas, Simon Pegg (nerd declarado que es parte tanto de las nuevas películas de Star Trek como las de Mission Impossible y que es coguionista de estas tres cintas junto con Wright) y Nick Frost (eterno compañero de Pegg y protagonista de varias series inglesas), además de algunos gags visuales. El curioso nombre, que traducido literalmente significa La Trilogía de los Tres Sabores de Cornetto, surge como un chiste luego de haber incluido el helado marca Cornetto en Shaun of the Dead y recibir productos gratis de la empresa como compensación, Wright y Pegg lo integraran en la segunda película en un intento fallido de que les regalaran más y al un periodista preguntar la presencia del producto en ambas cintas Wright  inventara el nombre en referencia a la trilogía Three Colours de Krzysztof Kieślowski.

Ahora, ¿de qué van los films? Shaun of the Dead (2004) es una parodia del subgénero zombie, representada por el Cornetto rojo, sabor frutilla. Shaun (interpretado por Pegg) es un treintañero que va a tener que sobrevivir un apocalipsis zombie a la vez que intenta recuperar a su novia y madurar en el proceso. 

Hot Fuzz (2007) es una parodia a las películas de dupla de policías disparejos, representada por el Cornetto azul, sabor crema. Nicholas Angel (Pegg) es uno de los mejores oficiales que tiene la policía metropolitana de Londres. Tan bueno que deja mal al resto, por lo que deciden mandarlo al pequeño Sandford, donde nada pasa para que no se destaque tanto. Sin embargo, muertes misteriosas empiezan a suceder en el pueblo y sera Angel, junto a su compañero Danny (Frost), quienes se encarguen de develar quien es el asesino.

The World's End (2013) es una parodia del género sci fi, especialmente las cintas sobre criaturas de otro planeta invadiendo nuestra tierra, representada por el Cornetto verde, sabor menta granizada. Gary King (Pegg) es un alcohólico inmaduro que reúne a su grupo de amigos de la secundaria para realizar el recorrido de pubs de su ciudad natal que no pudieron terminar cuando eran adolescentes. El plan del grupo se va a complicar cuando cosas raras comiencen a manifestarse durante la noche. 

Así que ahí lo tienen, una de las mejores trilogías cómicas en mi humilde opinión. Todas están realmente bien hechas, no solo saben cuando reírse del género del que toman prestado, sino también abrazan elementos del mismo y tocan temas como la amistad y poder madurar. Pero por sobre todo, son muy entretenidas de ver. Aprovechen el tiempo libre y mírenlas. Shaun of the Dead esta Netflix, a las otras dos las encuentran por ahí. Les garantizo que la van a pasar bien.   

   

Oldboy (2003)

Los Oscars 2020 hicieron historia. Les haya gustado o no, por primera vez en los 92 años de existencia de la ceremonia, una película de habla no inglesa ganó el premio mayor, el premio a Mejor Película. ¡Y que película! En mucho tiempo no pasaba de que ganara una película que realmente se lo merecía (casi como si la Academia pidiera perdón por haber premiado a Green Book el año pasado). No digo que de ahora en adelante la industria hollywoodense se va a abrir al mundo y los films de otras partes del mundo tenga igual llegada que un tanque de Marvel, pero el primer paso al cambio esta hecho. Pero lo positivo no termina ahí. Gracias a toda la atención que recibió Parasite y su director, Bong Joon-ho (tal vez la persona mas adorable del planeta), la sociedad occidental empezó a mostrar interés en ese maravilloso mundo que es el cine surcoreano. Por lo que no se me ocurre mejor oportunidad que aprovechar esta nueva surcoreanomania y recomendarles una cinta de este bello país, el ya considerado clásico de los años 2000 y una de las mejores películas de este nuevo siglo: Oldboy.

Basada en el cómic japones del mismo nombre creado por Garon Tsuchiya y Nobuaki Minegishi, el film forma parte de la llamada La Trilogía de la Venganza (se les denomina así no porque sea una historia contada a través de tres cintas sino porque cada película esta atravesada por el concepto de la venganza), siendo precedida por Sympathy for Mr. Vengeance (Simpatía por el Sr. Venganza) y seguida por Lady Vengeance (Dama Venganza). En esta, la historia sigue a Oh Dae-su (interpretado por Choi Min-sik, un reconocido actor surcoreano que algunos tal vez ubiquen por su papel en el film de ciencia ficción de Luc Besson, Lucy), un hombre común y corriente que esta arrestado por estar borracho, perdiéndose el cumpleaños número cuatro de su hija. Luego de que su mejor amigo lo pasa a buscar, se detiene a llamar a su mujer para avisar que esta en camino pero es secuestrado de un momento a otro cuando se amigo se distrae hablando por teléfono. Dae-su se despierta en lo que parece ser un habitación de hotel sin ninguna explicación de por qué esta ahí. Por 15 años es mantenido en esa habitación, a pesar de múltiples intentos de escape y suicidio, llevado casi a la locura sin saber quién ni por qué lo tienen cautivo. Sin aviso previo, un día es soltado pero Dae-su se da cuenta que su captor aún no termino con él, por lo que no descansará hasta descubrir cuál es el motivo que llevó a su anónimo enemigo a convertir su vida en un infierno viviente. 

¿Por qué digo que esta película es ya un clásico? Por varios motivos, pero especialmente por la historia y las reflexiones sobre la condición humana que hace. Este debe ser uno de los films mas retorcido, deprimente y a la vez hermoso que vi en mi vida. Imprevisible como pocos y con unos giros argumentales que M. Night Shyamalan solo puede soñar, acompañamos a Dae-su en su viaje para poder liberarse de esta duda que lo carcome de qué puede haber hecho para merecer semejante castigo, y justo cuando uno cree que mas o menos sabe por donde va la cosa el guión tira nueva información y te deja recalculando. Pero además, el guión se encarga de plantear preguntas sobre la existencia humana mas que interesantes, tanto a través de nuestro protagonista como del antagonista. Preguntas como: ¿Hasta qué punto una persona puede ser consumida por la venganza? ¿Qué pasa después si la persona cumple con su venganza? ¿Le queda razón de vivir luego de eso? ¿Qué tan libre es una persona realmente si hay una incógnita que no lo deja seguir su vida en paz? entre otras. Todo esto representado no solo en el dialogo sino también en lo visual de manera maravillosa.
Y ya que hablamos del aspecto visual no puedo obviar a Park Chan-wook, compatriota del amigo Bong y uno de los directores mas respetados de Corea del Sur. Chan-wook no desperdicia un plano, todo lo que se muestra es por algo (como debería ser siempre), comprende como utilizar al máximo las herramientas que lo visual ofrece y sabe maneras creativas de filmar ciertas escenas sin perder el realismo. Hay una escena de acción en particular, que involucra un angosto pasillo y muchas personas, que ya es icónica por el simple hecho de la atención al detalle y lo hermosamente coreografiada que está, demostrando que la acción no necesita ser exagerada y con mil cortes en el medio (come tierra Rápido y Furioso). No puedo dejar de lado tampoco las actuaciones. Min-sik la rompe como el atormentado Dae-su, mientras que Yoo Ji-tae cumple con creces el papel del enigmático Lee Woo-jin, hombre en busca de venganza.
Así que no pierdan el tiempo y vean Oldboy (eviten como la plaga la remake de 2013 de Spike Lee, no le hace justicia). La encuentran fácilmente por Av. de los Incas y Torrent. Créanme que se van a llevar mas de una sorpresa y después de vista no se la van a poder sacar de la cabeza por un tiempo, porque así de buena es.