The Breakfast Club (1985)

La película adolescente sobre la secundaria. Un género hecho hasta el cansancio, ya con sus propios clichés, con resultados tanto buenos como malos, y que todos conocemos bastante bien. Los populares medio boludos que hacen bullying, los nerds cuatro ojos, la gordita simpática mejor amiga de la protagonista, el mariscal del equipo de fútbol americano con un corazón de oro, música pop-punk sobre la angustia adolescente, la chica tímida e inteligente que esta a un cambio de look de ser reina del baile y ganarse al chico de sus sueños. Pero si nos acercamos a los principios del género las cosas son un poco distintas, sobre todo en el film del que vamos a hablar hoy, uno de mis preferidos de siempre, un clásico ochentoso con todas las letras: The Breakfast Club (El Club De Los Cinco para el mundo hispano parlante).
Antes que nada, un poquito de historia. El tipo que escribió y dirigió esta película fue John Hughes, un hombre que básicamente creo este tipo de películas un año antes con la cinta Sixteen Candles y que construiría su carrera alrededor de films dirigidos a la juventud y aquellos mas grandes con espíritu joven, narrando historias sobre crecer, pertenecer, el miedo a convertirte en eso que odias, sentirse cómodo con quien es uno y de donde viene, que él creía importante contar. Ferris Bueller's Day Off y los guiones de las primeras tres Home Alone (si, los de Mi Pobre Angelito) son algunos de los trabajos que hizo el amigo John.
¿Cuál es la trama de la película? Simple. Cinco estudiantes que representan al pie de la letra distintos estereotipos de la secundaria (la mas popu, el deportista estrella, el rebelde, la rara y el nerd) van a la biblioteca de la escuela a pasar todo el sábado para cumplir detención, supervisados por un preceptor con muchos aires de superioridad. Pero ni bien estos chicos empiecen a interactuar entre ellos la forma en que ven a los demás y a ellos mismos va a ser cuestionada.

 Lo que convierte a este film en un clásico que se mantiene vigente hasta el día de hoy son los temas que trata y la manera en que lo hace. El señor Hughes agarra esos estereotipos que tan arraigados están en nuestra sociedad y hace la pregunta ¿Somos mas que esas etiquetas que los demás nos ponen, muchas veces por nuestros padres? ¿Qué hay detrás de esas etiquetas? Porque, se quiera o no, la escuela es un mundo propio de por si al que, de una forma u otra, tenemos que sobrevivir, y eso incluye hacer cosas o ser de un modo que no nos refleja 100% con tal de transitar esa etapa sin muchos problemas. Y todo eso queda plasmado en el guión. Los personajes se sienten reales, empatizamos con los 5 sin problema, entendemos sus acciones, lo que piensan, sus preocupaciones, la presión que sienten sobre ellos mismos. Tarde o temprano nos damos cuenta que nosotros alguna vez fuimos uno de esos estereotipos.
¿Y qué seria de buenos personajes sin buenos actores para interpretarlos? Creo que este debe ser uno de los pocos films con un casting perfecto, donde nadie desentona en el rol que se le dio. Molly Ringwald (musa de Hughes y la Julia Roberts de los 80 antes que Julia Roberts fuera conocida) es la princesita de secundaria perfecta, a Anthony Michael Hall le queda pintado el rol de nerd, tanto que se lo encasillaría por el resto de la década (recién haciendo de malote en Edward Scissorhands se lo vería distinto), Emilio Estevez (el hermano correcto de Charlie Sheen) te vende el papel de deportista estrella sin hacer esfuerzo, Ally Sheedy convence desde el minuto cero como la antisocial un poco excéntrica y Judd Nelson (hablemos de talento desperdiciado en las décadas siguientes) la rompe como el rebelde mas Way de todos que se roba tu corazón. 
No cuelguen y miren The Breakfast Club, va a ser un muy buen uso de una hora y media de su tiempo. Si citas a una de las mejores canciones de David Bowie, un número musical de la nada, cuestionamiento a la autoridad parental y uno de los mejores finales del cine en cuanto a músicalización y simbolismo no les llama, no se, mírense "Papá se volvió loco". Ademas esta en Netflix y todo. 

Clueless (1995)

Dejamos las películas aclamadas por la crítica por un rato para hablar de un tipo de cinta en particular, esas que jamas entrarían en la temporada de premios, que no fueron pioneras ni rompieron ninguna forma de barreras, pero que igual nos entretienen y divierten. Conocemos sus fallas y limitaciones (que en muchos casos ese es el motivo principal de que nos gusten tanto) pero eso no evita que las miremos de vez en cuando, ya sea online o porque la enganchamos en la tele, que nos sepamos casi todos los diálogos de memoria, porque de una forma u otra siempre que vemos ESE film, por el tiempo que dure, escapamos del mal día que estamos teniendo, somos "felices" si se quiere (yo propongo que llamemos al género "Que se curtan los demás, yo amo esta película no importa lo que digan"). Y la cinta de la que voy a escribir hoy cumple con todas esas características con creces, una de mis preferidas de esta clase: Clueless (conocida por acá con una traducción muy acertada como "Ni idea").
Ahora, Clueless es una adaptación bastante libre de la novela de Jane Austen publicada en 1815 Emma (que un año después de este film recibiría una adaptación directa con Gwyneth Paltrow como protagonista). La novela cuenta la historia de Emma Woodhouse, una joven de la alta sociedad que, a pesar de su estatus social es una chica educada y amable con las personas del pueblo campestre inglés en el que vive, que a partir del casamiento de su institutriz decide jugar a ser Cupido y buscarle pareja a sus conocidos mas cercanos.
¿En qué queda la película? Cher (interpretada por la chica Aerosmith Alicia Silverstone) tiene 16 años, es linda, tiene toda la plata, vive en Beverly Hills, y es la mas popular de su escuela. Todo esto no impide que tenga buena intenciones aunque superficiales. Después de lograr que dos profesores empiecen a salir para mejorar sus notas y que su ex hermanastro Josh (un novato Paul Rudd que ya daba todos los indicios de porque es el mejor) la acuse de siempre actuar pensando en ella, Cher descubre lo bien que se siente realizar buenas acciones y decide hacer más. Esto va a incluir aceptar a Tai, la chica nueva (una irreconocible Brittany Murphy en su primer rol cinematográfico), en su grupo de amigas, darle un cambio de imagen, buscarle novio, buscarse novio a ella misma y mas.
Resumida así nomas la trama puede sonar igual de superficial que nuestra protagonista y con poco para decir, pero no se dejen engañar, acá esta plasmada la juventud de los 90 en todo su esplendor. El vestuario, la música, la forma de hablar, las costumbres. No van a encontrar mejor capsula de la adolescencia en la década que esta. Además de reflejar sin problemas la vida del estudiante de secundaria (películas como "Mean Girls" van usar este film como fuente de inspiración), con las estrategias para tratar de levantar la nota, la reagrupación de los alumnos en distintos subgrupos, mantener una imagen, ir a jodas que quedan lejos de tu casa, los romances de colegio, etc. Ayuda mucho que el guión (escrito por la directora Amy Heckerling), aunque simple, jamas peca de pretencioso y este lleno de humor y frases para citar una y otra vez.
Lo otro que hace que esta cinta se destaque son sus personajes, llenos de carisma e identificables. Cher es superficial, colgada, algo egoísta y vive en su propia burbuja, si, pero ¿quién no era así cuando tenia 16? Por ahí no tenias una super mansión con un ropero del tamaño de tu pieza pero seguro pasaste por alguna de las situaciones que vive nuestra protagonista; todos en algún momento fuimos Tai, ingenuos y con ganas de pertenecer a algún grupo, tanto que aveces nos terminaba comiendo el personaje. Alicia Silverstone parece que nació para este papel en uno de los mejores casting en mi opinión desde Robert Downey Jr. como Iron Man. Su actuación no es nada que vaya a hacer que empieces a creer en Dios o parecido pero es imposible imaginarse a otra persona en el papel. Los secundarios cumplen sin problemas, destacando Murphy. Rudd y Stacey Dash, que hace de la mejor amiga de Cher (dato curioso, el personaje de Dash tenia 16 mientras que ella en la vida real tenia 28, hablenme de tener apariencia joven).
Miren Clueless, no les va a cambiar la vida, no les va a volar la cabeza, pero van a pasar una hora y media mas que entretenidos, que al fin y al cabo es el motivo del cine. Hasta capaz terminen con una linda sensación adentro, como me pasa a mi cuando la veo.

         

F for Fake (1974)

Nos quedamos un rato mas en los 70 para hablar de otro género mas en el basto mundo de nuestro querido séptimo arte, la película ensayo. Como bien dice el nombre, la principal característica de este tipo de cintas es el planteamiento de un tema, una hipótesis, y el desarrollo del mismo mientras corren los minutos del film, mezclando documental, ficción y métodos experimentales de edición y tono, para refutar o afirmar esa hipótesis al final. Y que mejor forma de introducirlos a este género que de la mano del inigualable Orson Welles (no confundir con el Orson de la granja) y, en mi opinión, una de sus mejores películas: F from Fake (F de Falso).
¿Qué nos quiere demostrar con tantas ganas el bueno de Orson que sintió la necesidad de realizar un film para lograrlo? Nada mas y nada menos que plantear algunas cuestiones sobre el arte, la autoria y la autenticidad que gana con la firma del "artista", básicamente las bases sobre las que se funda el valor artístico. Para cumplir este propósito Welles va a utilizar como ejemplos los casos de Elmyr de Hory, un falsificador de pinturas que empezó para sobrevivir y termino viviendo en Ibiza, codeándose con los comerciantes de arte mas reconocidos, de Clifford Irving, biógrafo de Elmyr y famoso por mentir sobre haber sido uno de los últimos en entrevistar a Howard Hughes antes de morir, Welles mismo, que mintió para conseguir un trabajo en Irlanda diciendo que era un actor famoso en EE.UU y estuvo detrás de la emisión radial de "La Guerra De Los Mundos" que llevó a mucha gente a la locura, y de Picasso.

Me cruce con esta película en mi primer año de facultad por pedido de mi profesora de Taller de Expresión I para trabajar el tema del ensayo y los derechos de autor y mi primera reacción fue sorprenderme de nunca haber escuchado sobre ella siendo que su director y narrador es considerado una de las personalidades mas importantes del cine (si el nombre Orson Welles les suena tal vez hayan escuchado en algún momento las palabras "El Ciudadano Kane", el mejor film de la historia para varios), especialmente por el tema tan interesante que plantea y que al día de hoy sigue teniendo relevancia: ¿qué es el verdadero arte? ¿quién lo decide? ¿vale mas la firma del artista o la obra en si? la falsificación bien hecha, ¿sigue siendo falsificación o se convierte en una forma de arte? ¿los artistas no son, en cierto punto, mentirosos también? ¿se puede hacer arte a partir de una obra ya existente? Con los sampleos siendo cada vez mas populares en el mundo de la música y varios canales de YouTube recurriendo a vídeos, películas y series para fabricar su propio contenido, esta cinta es especial para todos los que les interesa cualquier forma artística o participa de ellas.
Pero lo que mas me marcó de la cinta y el motivo por el cual después la volví a ver un par de veces mas fue el giro argumental que tiene en cierto punto. Welles, con la experiencia que tenia para manejar el lenguaje cinematográfico, descubre la mejor manera de probar su punto (y lo mas meta posible, debo agregar) y hace que te replantees todo lo que viste hasta ese momento, preguntarte si fuiste engañado, volver a ver todo otra vez para tratar de encontrar la respuesta y terminar de entender lo que el director establece desde el minuto uno.
Para terminar y evitar caer en spoilers les pido que le den una chance a esta gran película ensayo, esta disponible subtitulada  en buena calidad en Youtube y sus 88 minutos pasan sin resultar pesada. Al gran Orson le sobra carisma y verlo desplegarse sin ningún problema en un género poco explorado y romperla toda es algo obligatorio para todo amante del cine.

The Rocky Horror Picture Show (1975)

Hablemos de la películas de culto. Primero, ¿qué es una película de culto? Básicamente se le atribuye este término a films que tienen una gran base de fans apasionados y dedicados, "un culto", creándose una suerte de subcultura donde se repiten diálogos de la cinta, se viste referenciando a personajes y se organizan juntadas para verla con participación del publico (Enfermitos de los Simpsons, ¿sos vos?). ¿Cuáles son las películas que generan este tipo de culto? Mayoritariamente las producciones de grandes estudios que resultaron en totales fracasos de taquilla y los films mas oscuros, viejos, indies, que fueron ignorados en su momento por el mainstream. ¿La razón de esta ardiente pasión? Hay dos grandes categorías: que el producto sea realmente bueno pero incomprendido para el tiempo en que fue estrenado o (y esta es la razón mas interesante) que sea mala, tan pero tan malo, que pase a ser una de las experiencias mas entretenidas y divertidas que uno puede tener. Algunos ejemplos de clásicos de culto son: la argentina Un Buen Día, The Big Lebowski, Plan 9 From Outer Space del infame Ed Wood, la Blade Runner de los 80 o la cada vez mas popular The Room. Y la película que nos compete hoy es casi la madre de las películas de culto, una de las pioneras de este "género": The Rocky Horror Picture Show.
Basada en el musical londinense de 1973 del mismo nombre (sacando por el "Picture", claro) que Richard O'Brien (la voz original del papá de Phineas y Ferb) escribió parodiando y a la vez homenajeando a las películas de terror clase b y de ciencia ficción tan características de los 30 hasta principios de los 70, la trama se desarrolla alrededor de Janet (una muy joven Susan Sarandon en uno de sus primeros roles) y Brad, una pareja recién comprometida, que por desperfectos mecánicos en su auto terminan pasando la noche en el castillo del Dr. Frank N. Furter (el siempre impecable Tim Curry, también conocido como el payaso Pennywise para varios), autoproclamado como "un dulce travestí de Transsexual, Transylvania", en el momento justo que se esta realizando la Convención Anual de Transilvania. Las próximas 24 hs de sus vidas van a estar llenas de travestís, hombre congelados, científicos en sillas de ruedas, gente de otro planeta y mas.
Ahora, ¿qué tiene de especial este film para que, 40 años después de su estreno, se siga pasando en el cine en funciones nocturnas, siendo así la cinta con mas longevidad en salas de cine en la historia, a pesar de haber sido duramente criticada y un fracaso financiero al momento de su debut? En pocas palabras, todo. El vestuario, que mezcla lo ordinario como una pollera y una camisita con corsets, medias de red y collar de perlas, funciona perfectamente para resultar memorable y ser imitado; las canciones son un hit atrás del otro, abarcando varios géneros y sobre todo pegadizas (los quiero ver después no tarareando temas como "Sweet Transvestite", "Hot Patootie - Bless My Soul" o el clásico "The Time Warp, que incluye instrucciones de como bailarlo y todo); Tim Curry se come la película en su primer rol cinematográfico y demuestra porque es un grande, su actuación derrocha carisma desde el momento que pone pie en pantalla, es imposible sacarle los ojos de encima, sus movimientos, sus gestos, su forma de hablar y cantar, haciéndote desear que estuviera presente en todas las escenas. Los demás actores cumplen sin problemas las exigencias de la historia, en gran parte porque es casi el mismo elenco que en la versión teatral.
Pero lo mas importante es la esencia del film, tan adelantada para su época, de abrazar la libertad sexual de uno, ser lo que realmente soñamos ser y amarse por eso ("Don't dream it, be it"). Es muy probable que esto haya sido el principal motivo de que varios críticos no les haya terminado de cerrar la película, pero a la vez es lo que permitió que un gran sector de la sociedad se sintiera identificado y comprendido cuando el resto del mundo los condenaba y ocultaba por intentar ser libres, convirtiéndose así en el fenómeno cultural que es hoy, con reversiones para teatro y televisión en distintas partes del mundo cada dos por tres y constantes referencias en otros lados como The Perks Of Being A Wallflower, Glee y Los Simpsons, entre otros.
Así que si se sienten con ganas de ver un poco mas de hora y media de personajes extravagantes, números musicales estrafalarios, actuaciones que te hacen cuestionar tu sexualidad y mucho corazón y pasión, este es el film para ustedes (los que viven en Capital estén atentos que cada tanto la pasan en el Centro Cultural San Martín).

Lars And The Real Girl (2007)

¿Nunca les pasó de sobrestimar a una persona? ¿Estar 100% seguros de que su capacidad solo llega a cierto nivel? ¿Qué esa persona jamas los vas a sorprender? ¿Qué cuando va a comprarse un jean ustedes ya lo hicieron short? Seguro que todo el tiempo, porque es algo que hacemos casi automáticamente, sin pensarlo. Sobretodo es algo que hacemos con los actores y actrices. Alcanza con un solo papel que hagan para que los encasillemos, los etiquetemos en algún estereotipo, no esperemos nada de ellos y hasta nos burlemos de sus dotes actorales cuando los eligen para proyectos importantes. Y mas grande es la sorpresa y la tapada de boca cuando de la nada meten un papel tan entrañable e inolvidable que nos vemos obligados a considerarlos de otra forma (Heath Ledger, Penélope Cruz, Sylvester Stallone, Charlize Theron, son algunos claros ejemplos). Pero quien nos interesa hoy no es otro que el mismísimo Ryan Gosling. Al pobre de Ryancito lo han apodado "El Estevanez yankee" por ser supuestamente solo una cara bonita que no puede emitir emociones, un pedazo de madera, especialmente por el papel que le dio fama internacional, The Notebook. Siendo sincera, yo casi me creo ese verso cuando conocí de su existencia. Pero el actor canadiense tiene un gran currículum detrás que prueba lo contrario: Half Nelson, Blue Valentine, The Ides Of March. Y en ninguna película queda esto mas demostrado que en Lars And The Real Girl.
¿Cuál es la trama? Lars (Gosling) es un treintañero que lleva una vida recluida y monótona en un pueblito de Wisconsin donde nunca pasa nada, que trabaja, va a la iglesia los domingos y pasa lo que resta de los días encerrado en el garage reformado de su casa de toda la vida que ahora le dejó a su hermano y su prometida embarazada. Como resultado de que su mamá haya fallecido luego del parto y un papá deprimido y distante a causa de esto al cual tuvo que cuidar hasta su muerte luego de que su hermano mas grande se rajara de ahí ni bien pudiera, Lars evita todo tipo de contacto físico y entablar conversaciones con los demás lo ponen nervioso. Pero la vida de su hermano y su novia junto con la de todo el pueblo va a dar un giro de 180° cuando Lars se aparezca con una muñeca inflable a quien llama Bianca y clama que es su nueva novia.

Esta película debe ser una las formas mas originales de contar y tratar una enfermedad tan común como la fobia social. La solución que le encuentra la medica del pueblo (la siempre genial Patricia Clarkson) al comportamiento de Lars es simplemente demente y a la vez la cosa con mas sentido del mundo. Cada dialogo, cada reacción, cada cara, uno lo siente autentico. Para los que conocen como es realmente vivir en un pueblo donde todos se tratan entre todos, realmente te crees que la gente podría tener un accionar así con tal de ayudar a un vecino y habitante ejemplar. No hay palabras que expresen como se debe lo que amo el guión de esta cinta, creo que es el punto fuerte del film (un gran aplauso para Nancy Oliver, su creadora). Hay un tono de inocencia, de bondad, de calidez, que es imposible que no te haga emocionar en alguna escena, pero siempre manteniéndose alejado de lo exageradamente dramático, de la lágrima barata. Conectas rápido con el personaje de Lars, es fácil sentirse identificado, ese sentimiento de pertenencia de una u otra manera para lograr ser felices y cuando llegamos al final la transformación del personaje es totalmente satisfactoria. 
El otro elemento que hace a este película son las actuaciones. El señor Gosling mete, en mi opinión, la mejor actuación de su carrera hasta ahora, digna de un Oscar o al menos una nominación. Desde el momento cero su persona desaparece de la pantalla y nos encontramos con un tipo regordete, de bigote siempre peinado, que se pone rojo como un tomate cuando esta nervioso y de pocas palabras pero con un corazón de oro. Todos los demás secundarios, la familia de Lars y los habitantes del pueblo, cumplen su rol a la perfección y en pocas líneas los ubicamos como personajes (para los que tienen bastante visto el vídeo de "Jesus Of Suburbia" de Green Day van a encontrar una cara conocida).
No dejen pasar este film, son 106 minutos que se pasan volando y que al terminar estas con una sonrisa en la cara sin darte cuenta. Veanla especialmente si están buscando algo para ver que los deje con una linda sensación, de esas que restauran la fe en la humanidad, que te hacen acordar porque te gusta mirar películas.

Baby Driver (2017)

Les hago una pregunta rápida, ¿cuál es su película musical de acción preferida? Si, leyeron bien. Una película que sea a la vez musical y de acción. "Pero eso no existe" pensaran, y si cinco meses antes me hubieran dicho que esos dos géneros podían convivir armoniosamente en un film yo hubiera pensado lo mismo. Por suerte, el séptimo arte todavía tiene algunos ases bajo la manga y puede sorprender con combinaciones bizarras y hermosas como la de la cinta de la que les voy a hablar hoy, la mejor película en lo que va del año en mi opinión: Baby Driver.

Toda la idea, esta mezcla rara, es el bebé (juego de palabras intencional) concebido en 1994 por el inglés Edgar Wright, uno de los directores y guionistas mas original e inteligente de este siglo, un verdadero amante del cine, que sabe aprovechar al máximo el espacio visual y sonoro y mi preferido de toda la historia, punto. El tipo tiene en su haber una serie (Spaced), la cual amo y creo que todo el mundo debería ver en algún momento, y cinco películas, una de bajo presupuesto que hizo mientras era estudiante (A fistful of fingers) y cuatro ya con el respaldo de algún estudio (Shaun of the dead, Hot fuzz, The end of the world y Scott Pilgrim vs the world). Estas últimas cuatro cintas las considero de las mejores del género comedia, además de que tratan temas muy poco explotados como la amistad y el lugar que ocupa en nuestras vidas. Así que cuando se anunció que Edgar se pondría a hacer otro film, y después él mismo declaró que la música tendría un papel fundamental, mis expectativas se fueron por el cielo. Cuando llegó el momento de la verdad, no salí decepcionada.
¿De qué trata? Baby (interpretado por Ansel Elgort, el pibe "Okey" de "The fault in our stars") es un capo del volante y "trabaja" como conductor de escapadas en robos para pagarle a un mafioso al que le debe (Kevin Spacey, el hombre que no sabe actuar mal). Pero Baby es muy bueno manejando por una razón. Cuando era chico tuvo un accidente que lo dejó con un zumbido constante en su cabeza y escucha música desde ese día para taparlo. Por lo que cada movimiento que Baby hace, cada sonido a su alrededor, están sincronizados con la canción que él este escuchando. Y justo cuando parece que todo le va a salir como quiere, pagar su deuda y estar con la chica que quiere (Lily James, la última Cenicienta de la pantalla grande), las cosas se complican.

La mejor forma de describir esta película es simple: todo lo que Rápido y Furioso quiere ser y no puede mas un soundtrack asesino. Persecuciones en auto 100% reales donde no hay 80 planos distintos haciéndote imposible entender lo que pasa, personajes memorables, escenas de acción donde cada tiro va al ritmo de la música, un verdadero sentimiento de que el protagonista podría no salir victorioso. Acción hecha y derecha. El guión es simple, no va a cambiar al mundo, pero va al grano, con diálogos rápidos e inteligentes y un par de giros argumentales para nada predecibles que le dan frescura a la historia.
¿Y por qué digo que también es un musical? Porque la música funciona como un personaje mas. Nadie se pone a cantar de la nada con una elaborada coreografía pero las canciones están ahí. No pasan mas de unos minutos sin que haya algún tema en el fondo o tomando protagonismo en la escena. Nosotros somos Baby, por lo tanto somos sus oídos también, lo que escuchamos es lo que él escucha, no porque el director o el editor lo eligieron porque les parecía que quedaba lindo. Cada canción tiene un propósito especifico para cada momento, Baby las elige por un motivo. Wright escuchó una canción en el 94 que le hizo imaginar una escena y a partir de ahí decidió armar toda la película para darle sentido a esa escena. Así de importante es la música acá.
Por último, la cinta tiene un elenco brutal. Todos cumplen con creces. Cuando me enteré que Ansel Elgort iba a ser el protagonista tuve mis dudas pero el pibe derrocha carisma. Te vende el papel desde un principio. Kevin Spacey es el PUTO amo, aunque creo que de eso ya no había dudas. Jon Hamm (el Don Draper del pueblo) demuestra una vez mas lo versátil e hipnótico que es, Jamie Foxx (el mejor Ray Charles que el cine va a ver) es un psicópata mas que convincente y la mexicana Eiza González es la ladrona mas sexy y patea culos del condado. Mi única critica es que el romance se siente un poco de más pero Elgort y James tienen tanta química que no se nota mucho.
No queda mucho mas por decir. Vean Baby Driver, las casi dos horas ni se sienten. En youtube están los primeros cinco minutos y funcionan como el perfecto trailer. Si eso no los convence, veanla igual.  Va a ser la película de acción mas original y entretenida desde Mad Max: Fury Road que tengan la chance de ver y la música los va a tener moviendo la cabeza y los pies sin parar.

Dr. Strangelove (1964)

Vamos a dejar el color y los avances tecnológicos de lado por un rato y volver al blanco y negro y los efectos especiales cutres de los 60 mientras pisamos nuevamente territorio de clásico con la maravilla satírica con un aun mas maravilloso título que es Dr. Strangelove or: How I Learned To Stop Worrying And Love The Bomb (Dr. Insólito o: Como Aprendí A Dejar De Preocuparme Y Amar La Bomba para nosotros los hispanos).

En un contexto de plena Guerra Fría, el ingles Stanley Kubrick (que ya venia de pegarla con Spartacus y Lolita) decidió escribir, junto con Terry Southern y basándose en la novela Red Alert de Peter George, y dirigir una comedia negra que tratara la paranoia que se vivía por esos días, donde tanto Estados Unidos como la Unión Soviética estaban en plena carrera armamentística, armados hasta los dientes y la amenaza de que se pudriera todo estaba a la vuelta de la esquina. 

Así, armó la historia de un general de las Fuerzas Aéreas de los Estados Unidos, Jack D. Ripper, que concibe la idea de comenzar una guerra nuclear con la Unión Soviética para así impedir, según él, una conspiración comunista que incluye contaminar el agua para dañar el organismo de los estadounidenses. Sumido en su paranoia, Ripper va a ordenar a su escuadra nuclear de combate que bombardee los respectivos objetivos dentro de la URSS. Mientras tanto, en el Pentágono, el presidente (interpretado por el eterno Inspector Clouseau, Peter Sellers) y otros generales del país son informados sobre el plan de Ripper, y luego de que el ex nazi Dr. Strangelove (Sellers nuevamente mostrando su amplios dotes actorales) les confirme de la existencia de una máquina de destrucción masiva mundial que se activa si la Unión Soviética es atacada, van a hacer todo lo posible para evitar el ataque y la eliminación de todo ser viviente. 

Esta película transcurre en solo 3 locaciones y no se necesita mas: la base militar donde esta Ripper, la Habitación de Guerra (War Room) del Pentágono donde esta el presidente y los otros generales y uno de los aviones que va a bombardear a los soviéticos con los militares que lo pilotean (en donde se encuentra, entre otros, un debutante James Earl Jones). Porque acá lo que brilla es el guión y las actuaciones. Kubrick demuestra que la comedia no le incomoda para nada y, con ayuda de Southern, nos entrega diálogos sobrepasados de humor satírico del bueno y escenas filmadas con gran timing cómico. Peter Sellers brilla en los 3 papeles que interpreta (también se lo puede apreciar como un general inglés de intercambio que intenta detener a Ripper en la base), sobre todo el personaje que le da titulo a la película, borrando toda duda de porque era el mejor de la época, y los secundarios no se quedan atrás, especialmente los soldados que manejan el bombardero y uno de los generales en la War Room cercano al presidente (un George C. Scott muy divertido, que luego pasaría a actuar en Platoon).
Dr. Strangelove seria la cinta que consagraría a Kubrick, dándole su primer nominación a Mejor Director en los Oscars y siendo su film con mas querido tanto por publico como crítica, considerada una de las mejores comedias del siglo, además de servir como aviso de que el tipo podía tocar cualquier género y salir ileso. Sin contar que pasaría a formar parte de la cultura popular con frases y escenas icónicas (no es necesario buscar mucho mas que en Los Simpsons para encontrar referencia sobre cierta escena con una bomba nuclear), siendo incluida en la primer tanda de películas selectas para preservar en el Registro Nacional de Cine en 1989.
No se pierdan este clásico. Que el blanco y negro no los asuste. En menos de dos horas van a ver una de las mejores sátiras políticas del siglo pasado, que nos hace preguntarnos hasta donde podemos llegar alimentados por la paranoia y como es el ser humano verdaderamente en situaciones determinantes. Además esta en Netflix, no tienen excusa.