12 Angry Men (1957)

La película perfecta. ¿Existe? ¿Hay algo en el mundo cinematográfico que este remotamente cerca de la perfección? Como bien se sabe, el arte es subjetivo, y en el cine, lo que un crítico puede llamar un film "de 10" para un amante del cine puede ser como un 5, y ninguno de los dos estaría equivocado necesariamente. Todas las cintas que les recomendé hasta ahora son de mis preferidas o me gustan mucho (en mi mente son un 10 rotundo) pero reconozco que tienen fallas que yo puedo pasar por arriba sin problemas, pero otra persona no, y viceversa. Pero, como siempre, existe la excepción a la regla, y algunas películas realmente se las puede catalogar de excelentes, no importa cuan objetivos nos pongamos. Son lo mas cercano a la palabra "perfecto" que se puede encontrar en el séptimo arte, y el film que hoy les voy a recomendar fuertemente es uno de ellos, el clásico indiscutido: 12 Angry Men (más popularmente conocida por estos lares como 12 Hombres En Pugna).

Adaptada del guión que un principio se utilizó para el especial de televisión del mismo nombre transmitido en vivo en 1954 por la CBS, la trama se centra alrededor de un jurado compuesto por doce hombres, de distintas edades, trabajos y grupos sociales, que debe juzgar a un chico de 18 años de barrio mas que humilde acusado de haber asesinado a su padre. La decisión tomada debe ser si o si unánime, y si concluyen que es culpable, sera enviado a la silla eléctrica. Todos los hombres parecen seguros de que el acusado realmente cometió el crimen, pero cuando llega el momento de votar las cosas se complican, hay once que votaron por culpable y uno por no culpable. Solo hay dos opciones: o los once convencen al que piensa distinto a ellos o el que voto por no culpable trata de que el resto cambie su opinión. 

Ahora, ¿por qué digo que a esta película se la podría catalogar de "perfecta"? Fácil, todo lo que hace a un film, guión, actuaciones, dirección, cinematografía, acá esta a su máximo potencial. El debutante Sidney Lumet (que a lo largo de los años no dejaría de entregar clásico tras clásico como Serpico, Dog Day Afternoon o Muder On The Orient Express, por nombrar algunos) saca lo mejor de cada uno de sus doce actores y su manejo de la cámara es mas que destacable. Lumet nos hace sentir a nosotros, los espectadores, el sentimiento de encierro al que están sometidos los personajes que no saben cuanto mas van a estar metidos discutiendo en esa sala en el día mas caluroso del año, utilizando planos cada vez mas cerrados en un film que, salvo por el principio y el final, transcurre en su totalidad en una misma habitación. El elenco, lleno de actores consagrados de los años 40, 50 y 60, y encabezados por el gran Henry Fonda (padre de Jane y Peter Fonda, y que tal vez ubiquen por actuar en Once Upon A Time In The West), caracterizan sin problemas a estos hombres comunes con caracteres bien marcados a quienes se les han encargado tomar una decisión de vida o muerte.
Pero lo mas importante, lo que se lleva todos los aplausos, es el guión. Todo el film es básicamente un estudio de la sociedad. Cada uno de los personajes representa alguna de las personalidades que podemos encontrar cualquier día: el prejuicioso, el chanta, el ingenuo, el frívolo, el que solo se basa en lo lógico, el que hace lo que hace el resto porque solo quiere ser popular, el que es macho pecho peludo porque los sentimientos son para débiles, el que siente empatía por el otro y se pone en su lugar, y los expone. La cinta hace que uno se pregunte ¿Qué haría yo en la misma situación? Con supuestas pruebas evidentes de culpabilidad, ¿Tan livianamente decidiría sobre el destino de otra persona? y mas importante aún ¿Con el discurso de quién me identifico? La temática y los diálogos, a pesar de que la película ya tiene 61 años, resulta totalmente actual, lo que dice mucho sobre la calidad del guión.
Así que si buscan algo para mirar en estos días grises y fríos, esta es su oportunidad perfecta para ver 12 Angry Men, les prometo que va a ser una hora y media de su vida bien utilizada. Que el hecho de que sea "vieja" y en blanco y negro no les cause rechazo porque se estarían perdiendo de algo de gran calidad y de importante peso social e humano.               

Moulin Rouge! (2001)

Tu película preferida. ¿Cómo la definís? ¿Qué es lo que la hace destacar? ¿Qué es lo que tiene que todo el resto de films que viste durante tu vida no tienen? Es algo muy personal. El cine, como todo tipo de arte, es subjetivo por naturaleza. Lo que a uno le puede generar asombro a otro le puede causar aburrimiento. Pero usualmente el favoritismo por una película se divide en dos posibles grupos: los que buscan la perfección tanto técnica como argumentativa, buenas actuaciones, buen  guión, buena cinematografía, etc; y los que buscan una experiencia mas emocional, que están dispuestos a perdonarle fallas a cambio de sentir ciertas emociones. Quién les escribe es mas del segundo grupo, mi modo de determinar cuanto me gusta un film es la cantidad de veces que lo vi. Casi todas mis películas preferidas están lejos de ser consideradas material de premios (aunque algunas se lo merecen) pero lo importante pasa por otro lado, es lo que te genera y si, después de verla repetidas veces, ese sentimiento no se borro, ya se convirtió en una de mis favoritas. En mi caso funcionan casi como un refugio al que voy siempre que, por uno u otro algún motivo, las cosas no estén andando bien, y necesito escapar un rato para volver a sentir que todo esta ok. Y que mejor para ejemplificar esto y festejar el primer aniversario del blog que recomendadoles mi film preferido de todos los tiempos, el musical de 2001: Moulin Rouge.
Basada en la opera de 1853 de Giuseppe Verdi, La Traviata (que a su vez era una adaptación de la novela de Alejandro Dumas La Dama De Las Camelias), que cuenta la historia de una pareja separada por pertenecer a distintas clases sociales con un trágico final, la trama de la cinta gira alrededor de Christian (interpretado por Ewan McGregor, nuestro queridísimo Obi Wan Kenobi), un escritor que recién se acaba de mudar a París en el 1899 y que por esas vueltas de la vida termina en el Moulin Rouge, el cabaret manejado por el maestro de ceremonias Harold Zidler (interpretado por Jim Broadbent, quien los Potterheads ubiquen como el profesor Slughorn), donde se va a enamorar perdidamente de Satine, la estrella del lugar (una despampanante Nicole Kidman preparándose para romperla en el nuevo milenio). Pero la pareja no la va a tener fácil cuando el pretendiente de Satine, el Duque, compre las escrituras del cabaret para convertirlo en un teatro y poder asegurarse de que su "amada" sea toda suya.

¿Por qué este musical con un argumento simple y conocido de amor apasionado pero prohibido es mi película favorita? Resumiendo, hay dos grandes motivos. El primero, la música. Este film se caracteriza por recurrir a canciones ya existentes para armar su banda sonora (salvo por un solo tema nuevo) en vez de componer música original como cualquier otro musical, lo que contribuye a que suenen bandas y estilos de lo mas variados en una cinta que esta ambientada en la Francia de comienzos del siglo XX (desde música clásica hasta tango, desde Elton John, pasando por David Bowie hasta Nirvana). Y gracias a la experiencia de Baz Luhrman (conocido por dirigir la versión de Romeo y Julieta con Leo DiCaprio y la corta serie de Netflix The Get Down) en musicales teatrales, lo que podría ser una mezcolanza armada así nomas de canciones populares (te estoy mirando a vos Suicide Squad) fluye con coherencia y naturalidad, ayudando a que la trama avance en vez de hacerla parar. Cuando la vi por primera vez a mis 10-11 años no me imaginaba que esta película seria básicamente mi primer contacto con muchos artistas que años después conocería a fondo y amaría.
El segundo motivo: la temática. Igual que en La Traviata, el tema que atraviesa toda la cinta es el amor. Que sacrificios esta uno dispuesto a hacer por conseguirlo, y mucho mas, a que puede llegar una persona por asegurar el bienestar del otro. Pero al final del día lo importante es luchar por lo que uno siente, luchar por tus creencias y principios para poder ser libre al fin. Y por suerte, el elenco cumple con creces en transmitir esas emociones. Ewan McGregor y Nicole Kidman son el dúo perfecto, derrochan química ni bien están los dos juntos en pantalla, además de lucirse a la hora de cantar. Pero quien se roba el show acá es Jim Broadbent, que con su bigote retorcido y carisma chispeante te hipnotiza desde el primer momento y muestra que no tiene problema en pelar sus dotes dramáticos cuando el guión lo pide. Un lujo.
Hay muchas mas cosas de que hablar sobre esta cinta, como su impecable estética y vestuario, pero prefiero que eso lo descubran ustedes viéndola. Denle una oportunidad a Moulin Rouge, van a ser dos horas de su tiempo bien gastadas. No dejen que el hecho de que sea un musical los retraiga, no es su típico film musical. Porque tal vez, solo tal vez, pueda que ser convierta en su película preferida también. Y come what may...

Meeting People Is Easy (1998)

La banda de rock mas anticomercial, autónoma y exitosa del mainstream actual (Radiohead, por si mis adjetivos no fueron muy específicos) pisa por segunda vez nuestro país este sábado, después de casi una década, y que mejor forma de celebrarlo que recomendando, en la primer entrada temática del blog, uno de los mejores documentales sobre el tema de bandas y giras mundiales: Meeting People Is Easy (Conocer Gente Es Fácil).

Primero, algo de contexto. El año era 1997. Radiohead había sacado su tercer disco OK Computer, un álbum muy particular, lleno de letras abstractas y una sonoridad con muchas capas sobre el imparable consumismo y la alienación social y emocional que esto puede generar, que se convertiría en el mas exitoso del grupo, tanto comercialmente como con la crítica, hasta ese momento, y que tendría un impacto importantisimo en la música, generando un cambio de estilo en la escena británica (dominada por el britpop por ese entonces) e influenciando a muchas bandas por venir (Muse, Coldplay, por nombrar algunas). Ahora, como es normal en la industria musical, con un nuevo disco recién salido del horno, los cinco de Oxfordshire salían de gira mundial para promocionarlo, que incluía tocar por primera vez en Glastonbury como uno de los actos principales. ¿Qué mas se puede pedir, no? ¿Habían cumplido el sueño del pibe, de toda banda, no?

¿Qué hace que este documental se destaque del resto? Fácil, su forma de retratar como es la vida de una banda en pleno tour, con millones de entrevistas en el medio, el mismo setlist de canciones una y otra vez y tener todos los ojos encima tuyo esperando ver cual va a ser tu próximo movimiento. Creo que nunca vi una película de este tipo, que cuando se termina lo menos que queres es pegarla en la música. Usualmente, estos documentales tienden a mostrar, de una forma casi plástica, lo maravilloso que es ser un músico famoso, como todo es color de rosa con arcoiris y unicornios, tenes una horda de fans que te adora y como al final, los sueños realmente se cumplen (la sensación de falsedad alrededor de estos films es inevitable). Acá, la realidad atraviesa la pantalla y te da una cachetada. Sentís la monotonía en la que se siente atrapada la banda, el agobio de no poder salir de un ciclo interminable de recitales, entrevistas repetitivas y entregas de premios (les juro que después de un rato escuchar el inicio de "Paranoid Android" por décima vez es casi una tortura). Mas cuando uno se da cuenta que estos son chicos de veinti tantos que se encuentran en una situación de conflicto consigo mismos y el nivel de atención y presión que hay sobre ellos. Para el final de la gira, Thom Yorke, el cantante, pasaria por un periodo de depresión por el temor de nunca poder salir de la sombra de OK Computer y que la banda fuera etiquetada como algo de "un solo truco".

En este película la transparencia es todo. Soy de las que piensan que los films mas interesantes de este estilo, que documentan grupos musicales, son los que muestran a los artistas tal como son, imperfectos, usualmente con uno o dos problemas que no saben como resolver, con ciertas características que chocan con otro de los integrantes de la banda, porque se sienten reales y hasta identificables. Supersonic, Some Kind Of Monster o No Distance Left To Run son atrapantes porque nos dejan ver como algunos de los artistas mas importantes de la industria se relacionan con los demás a su alrededor y nos acercan un poco mas a entender como funciona su cabeza y los posibles motivos para su modo de comportarse (además, seamos sinceros, el bardo es algo que nos encanta ver). 

Para todos los fans de Radiohead y amantes de la música en general, no dejen pasar este documental, esta bien accesible en YouTube subtitulado en buena calidad. Realmente es una mirada distinta a todo lo que implica ser un músico con éxito y fama y da contexto al cambio sonoro que la banda llevaría adelante para su próximo disco, Kid A, y que los terminaría de establecer como uno de los grupos mas importantes en la música del nuevo siglo (parece que todo pasa por una razón, ¿no?).  

The Breakfast Club (1985)

La película adolescente sobre la secundaria. Un género hecho hasta el cansancio, ya con sus propios clichés, con resultados tanto buenos como malos, y que todos conocemos bastante bien. Los populares medio boludos que hacen bullying, los nerds cuatro ojos, la gordita simpática mejor amiga de la protagonista, el mariscal del equipo de fútbol americano con un corazón de oro, música pop-punk sobre la angustia adolescente, la chica tímida e inteligente que esta a un cambio de look de ser reina del baile y ganarse al chico de sus sueños. Pero si nos acercamos a los principios del género las cosas son un poco distintas, sobre todo en el film del que vamos a hablar hoy, uno de mis preferidos de siempre, un clásico ochentoso con todas las letras: The Breakfast Club (El Club De Los Cinco para el mundo hispano parlante).
Antes que nada, un poquito de historia. El tipo que escribió y dirigió esta película fue John Hughes, un hombre que básicamente creo este tipo de películas un año antes con la cinta Sixteen Candles y que construiría su carrera alrededor de films dirigidos a la juventud y aquellos mas grandes con espíritu joven, narrando historias sobre crecer, pertenecer, el miedo a convertirte en eso que odias, sentirse cómodo con quien es uno y de donde viene, que él creía importante contar. Ferris Bueller's Day Off y los guiones de las primeras tres Home Alone (si, los de Mi Pobre Angelito) son algunos de los trabajos que hizo el amigo John.
¿Cuál es la trama de la película? Simple. Cinco estudiantes que representan al pie de la letra distintos estereotipos de la secundaria (la mas popu, el deportista estrella, el rebelde, la rara y el nerd) van a la biblioteca de la escuela a pasar todo el sábado para cumplir detención, supervisados por un preceptor con muchos aires de superioridad. Pero ni bien estos chicos empiecen a interactuar entre ellos la forma en que ven a los demás y a ellos mismos va a ser cuestionada.

 Lo que convierte a este film en un clásico que se mantiene vigente hasta el día de hoy son los temas que trata y la manera en que lo hace. El señor Hughes agarra esos estereotipos que tan arraigados están en nuestra sociedad y hace la pregunta ¿Somos mas que esas etiquetas que los demás nos ponen, muchas veces por nuestros padres? ¿Qué hay detrás de esas etiquetas? Porque, se quiera o no, la escuela es un mundo propio de por si al que, de una forma u otra, tenemos que sobrevivir, y eso incluye hacer cosas o ser de un modo que no nos refleja 100% con tal de transitar esa etapa sin muchos problemas. Y todo eso queda plasmado en el guión. Los personajes se sienten reales, empatizamos con los 5 sin problema, entendemos sus acciones, lo que piensan, sus preocupaciones, la presión que sienten sobre ellos mismos. Tarde o temprano nos damos cuenta que nosotros alguna vez fuimos uno de esos estereotipos.
¿Y qué seria de buenos personajes sin buenos actores para interpretarlos? Creo que este debe ser uno de los pocos films con un casting perfecto, donde nadie desentona en el rol que se le dio. Molly Ringwald (musa de Hughes y la Julia Roberts de los 80 antes que Julia Roberts fuera conocida) es la princesita de secundaria perfecta, a Anthony Michael Hall le queda pintado el rol de nerd, tanto que se lo encasillaría por el resto de la década (recién haciendo de malote en Edward Scissorhands se lo vería distinto), Emilio Estevez (el hermano correcto de Charlie Sheen) te vende el papel de deportista estrella sin hacer esfuerzo, Ally Sheedy convence desde el minuto cero como la antisocial un poco excéntrica y Judd Nelson (hablemos de talento desperdiciado en las décadas siguientes) la rompe como el rebelde mas Way de todos que se roba tu corazón. 
No cuelguen y miren The Breakfast Club, va a ser un muy buen uso de una hora y media de su tiempo. Si citas a una de las mejores canciones de David Bowie, un número musical de la nada, cuestionamiento a la autoridad parental y uno de los mejores finales del cine en cuanto a músicalización y simbolismo no les llama, no se, mírense "Papá se volvió loco". Ademas esta en Netflix y todo. 

Clueless (1995)

Dejamos las películas aclamadas por la crítica por un rato para hablar de un tipo de cinta en particular, esas que jamas entrarían en la temporada de premios, que no fueron pioneras ni rompieron ninguna forma de barreras, pero que igual nos entretienen y divierten. Conocemos sus fallas y limitaciones (que en muchos casos ese es el motivo principal de que nos gusten tanto) pero eso no evita que las miremos de vez en cuando, ya sea online o porque la enganchamos en la tele, que nos sepamos casi todos los diálogos de memoria, porque de una forma u otra siempre que vemos ESE film, por el tiempo que dure, escapamos del mal día que estamos teniendo, somos "felices" si se quiere (yo propongo que llamemos al género "Que se curtan los demás, yo amo esta película no importa lo que digan"). Y la cinta de la que voy a escribir hoy cumple con todas esas características con creces, una de mis preferidas de esta clase: Clueless (conocida por acá con una traducción muy acertada como "Ni idea").
Ahora, Clueless es una adaptación bastante libre de la novela de Jane Austen publicada en 1815 Emma (que un año después de este film recibiría una adaptación directa con Gwyneth Paltrow como protagonista). La novela cuenta la historia de Emma Woodhouse, una joven de la alta sociedad que, a pesar de su estatus social es una chica educada y amable con las personas del pueblo campestre inglés en el que vive, que a partir del casamiento de su institutriz decide jugar a ser Cupido y buscarle pareja a sus conocidos mas cercanos.
¿En qué queda la película? Cher (interpretada por la chica Aerosmith Alicia Silverstone) tiene 16 años, es linda, tiene toda la plata, vive en Beverly Hills, y es la mas popular de su escuela. Todo esto no impide que tenga buena intenciones aunque superficiales. Después de lograr que dos profesores empiecen a salir para mejorar sus notas y que su ex hermanastro Josh (un novato Paul Rudd que ya daba todos los indicios de porque es el mejor) la acuse de siempre actuar pensando en ella, Cher descubre lo bien que se siente realizar buenas acciones y decide hacer más. Esto va a incluir aceptar a Tai, la chica nueva (una irreconocible Brittany Murphy en su primer rol cinematográfico), en su grupo de amigas, darle un cambio de imagen, buscarle novio, buscarse novio a ella misma y mas.
Resumida así nomas la trama puede sonar igual de superficial que nuestra protagonista y con poco para decir, pero no se dejen engañar, acá esta plasmada la juventud de los 90 en todo su esplendor. El vestuario, la música, la forma de hablar, las costumbres. No van a encontrar mejor capsula de la adolescencia en la década que esta. Además de reflejar sin problemas la vida del estudiante de secundaria (películas como "Mean Girls" van usar este film como fuente de inspiración), con las estrategias para tratar de levantar la nota, la reagrupación de los alumnos en distintos subgrupos, mantener una imagen, ir a jodas que quedan lejos de tu casa, los romances de colegio, etc. Ayuda mucho que el guión (escrito por la directora Amy Heckerling), aunque simple, jamas peca de pretencioso y este lleno de humor y frases para citar una y otra vez.
Lo otro que hace que esta cinta se destaque son sus personajes, llenos de carisma e identificables. Cher es superficial, colgada, algo egoísta y vive en su propia burbuja, si, pero ¿quién no era así cuando tenia 16? Por ahí no tenias una super mansión con un ropero del tamaño de tu pieza pero seguro pasaste por alguna de las situaciones que vive nuestra protagonista; todos en algún momento fuimos Tai, ingenuos y con ganas de pertenecer a algún grupo, tanto que aveces nos terminaba comiendo el personaje. Alicia Silverstone parece que nació para este papel en uno de los mejores casting en mi opinión desde Robert Downey Jr. como Iron Man. Su actuación no es nada que vaya a hacer que empieces a creer en Dios o parecido pero es imposible imaginarse a otra persona en el papel. Los secundarios cumplen sin problemas, destacando Murphy. Rudd y Stacey Dash, que hace de la mejor amiga de Cher (dato curioso, el personaje de Dash tenia 16 mientras que ella en la vida real tenia 28, hablenme de tener apariencia joven).
Miren Clueless, no les va a cambiar la vida, no les va a volar la cabeza, pero van a pasar una hora y media mas que entretenidos, que al fin y al cabo es el motivo del cine. Hasta capaz terminen con una linda sensación adentro, como me pasa a mi cuando la veo.

         

F for Fake (1974)

Nos quedamos un rato mas en los 70 para hablar de otro género mas en el basto mundo de nuestro querido séptimo arte, la película ensayo. Como bien dice el nombre, la principal característica de este tipo de cintas es el planteamiento de un tema, una hipótesis, y el desarrollo del mismo mientras corren los minutos del film, mezclando documental, ficción y métodos experimentales de edición y tono, para refutar o afirmar esa hipótesis al final. Y que mejor forma de introducirlos a este género que de la mano del inigualable Orson Welles (no confundir con el Orson de la granja) y, en mi opinión, una de sus mejores películas: F from Fake (F de Falso).
¿Qué nos quiere demostrar con tantas ganas el bueno de Orson que sintió la necesidad de realizar un film para lograrlo? Nada mas y nada menos que plantear algunas cuestiones sobre el arte, la autoria y la autenticidad que gana con la firma del "artista", básicamente las bases sobre las que se funda el valor artístico. Para cumplir este propósito Welles va a utilizar como ejemplos los casos de Elmyr de Hory, un falsificador de pinturas que empezó para sobrevivir y termino viviendo en Ibiza, codeándose con los comerciantes de arte mas reconocidos, de Clifford Irving, biógrafo de Elmyr y famoso por mentir sobre haber sido uno de los últimos en entrevistar a Howard Hughes antes de morir, Welles mismo, que mintió para conseguir un trabajo en Irlanda diciendo que era un actor famoso en EE.UU y estuvo detrás de la emisión radial de "La Guerra De Los Mundos" que llevó a mucha gente a la locura, y de Picasso.

Me cruce con esta película en mi primer año de facultad por pedido de mi profesora de Taller de Expresión I para trabajar el tema del ensayo y los derechos de autor y mi primera reacción fue sorprenderme de nunca haber escuchado sobre ella siendo que su director y narrador es considerado una de las personalidades mas importantes del cine (si el nombre Orson Welles les suena tal vez hayan escuchado en algún momento las palabras "El Ciudadano Kane", el mejor film de la historia para varios), especialmente por el tema tan interesante que plantea y que al día de hoy sigue teniendo relevancia: ¿qué es el verdadero arte? ¿quién lo decide? ¿vale mas la firma del artista o la obra en si? la falsificación bien hecha, ¿sigue siendo falsificación o se convierte en una forma de arte? ¿los artistas no son, en cierto punto, mentirosos también? ¿se puede hacer arte a partir de una obra ya existente? Con los sampleos siendo cada vez mas populares en el mundo de la música y varios canales de YouTube recurriendo a vídeos, películas y series para fabricar su propio contenido, esta cinta es especial para todos los que les interesa cualquier forma artística o participa de ellas.
Pero lo que mas me marcó de la cinta y el motivo por el cual después la volví a ver un par de veces mas fue el giro argumental que tiene en cierto punto. Welles, con la experiencia que tenia para manejar el lenguaje cinematográfico, descubre la mejor manera de probar su punto (y lo mas meta posible, debo agregar) y hace que te replantees todo lo que viste hasta ese momento, preguntarte si fuiste engañado, volver a ver todo otra vez para tratar de encontrar la respuesta y terminar de entender lo que el director establece desde el minuto uno.
Para terminar y evitar caer en spoilers les pido que le den una chance a esta gran película ensayo, esta disponible subtitulada  en buena calidad en Youtube y sus 88 minutos pasan sin resultar pesada. Al gran Orson le sobra carisma y verlo desplegarse sin ningún problema en un género poco explorado y romperla toda es algo obligatorio para todo amante del cine.

The Rocky Horror Picture Show (1975)

Hablemos de la películas de culto. Primero, ¿qué es una película de culto? Básicamente se le atribuye este término a films que tienen una gran base de fans apasionados y dedicados, "un culto", creándose una suerte de subcultura donde se repiten diálogos de la cinta, se viste referenciando a personajes y se organizan juntadas para verla con participación del publico (Enfermitos de los Simpsons, ¿sos vos?). ¿Cuáles son las películas que generan este tipo de culto? Mayoritariamente las producciones de grandes estudios que resultaron en totales fracasos de taquilla y los films mas oscuros, viejos, indies, que fueron ignorados en su momento por el mainstream. ¿La razón de esta ardiente pasión? Hay dos grandes categorías: que el producto sea realmente bueno pero incomprendido para el tiempo en que fue estrenado o (y esta es la razón mas interesante) que sea mala, tan pero tan malo, que pase a ser una de las experiencias mas entretenidas y divertidas que uno puede tener. Algunos ejemplos de clásicos de culto son: la argentina Un Buen Día, The Big Lebowski, Plan 9 From Outer Space del infame Ed Wood, la Blade Runner de los 80 o la cada vez mas popular The Room. Y la película que nos compete hoy es casi la madre de las películas de culto, una de las pioneras de este "género": The Rocky Horror Picture Show.
Basada en el musical londinense de 1973 del mismo nombre (sacando por el "Picture", claro) que Richard O'Brien (la voz original del papá de Phineas y Ferb) escribió parodiando y a la vez homenajeando a las películas de terror clase b y de ciencia ficción tan características de los 30 hasta principios de los 70, la trama se desarrolla alrededor de Janet (una muy joven Susan Sarandon en uno de sus primeros roles) y Brad, una pareja recién comprometida, que por desperfectos mecánicos en su auto terminan pasando la noche en el castillo del Dr. Frank N. Furter (el siempre impecable Tim Curry, también conocido como el payaso Pennywise para varios), autoproclamado como "un dulce travestí de Transsexual, Transylvania", en el momento justo que se esta realizando la Convención Anual de Transilvania. Las próximas 24 hs de sus vidas van a estar llenas de travestís, hombre congelados, científicos en sillas de ruedas, gente de otro planeta y mas.
Ahora, ¿qué tiene de especial este film para que, 40 años después de su estreno, se siga pasando en el cine en funciones nocturnas, siendo así la cinta con mas longevidad en salas de cine en la historia, a pesar de haber sido duramente criticada y un fracaso financiero al momento de su debut? En pocas palabras, todo. El vestuario, que mezcla lo ordinario como una pollera y una camisita con corsets, medias de red y collar de perlas, funciona perfectamente para resultar memorable y ser imitado; las canciones son un hit atrás del otro, abarcando varios géneros y sobre todo pegadizas (los quiero ver después no tarareando temas como "Sweet Transvestite", "Hot Patootie - Bless My Soul" o el clásico "The Time Warp, que incluye instrucciones de como bailarlo y todo); Tim Curry se come la película en su primer rol cinematográfico y demuestra porque es un grande, su actuación derrocha carisma desde el momento que pone pie en pantalla, es imposible sacarle los ojos de encima, sus movimientos, sus gestos, su forma de hablar y cantar, haciéndote desear que estuviera presente en todas las escenas. Los demás actores cumplen sin problemas las exigencias de la historia, en gran parte porque es casi el mismo elenco que en la versión teatral.
Pero lo mas importante es la esencia del film, tan adelantada para su época, de abrazar la libertad sexual de uno, ser lo que realmente soñamos ser y amarse por eso ("Don't dream it, be it"). Es muy probable que esto haya sido el principal motivo de que varios críticos no les haya terminado de cerrar la película, pero a la vez es lo que permitió que un gran sector de la sociedad se sintiera identificado y comprendido cuando el resto del mundo los condenaba y ocultaba por intentar ser libres, convirtiéndose así en el fenómeno cultural que es hoy, con reversiones para teatro y televisión en distintas partes del mundo cada dos por tres y constantes referencias en otros lados como The Perks Of Being A Wallflower, Glee y Los Simpsons, entre otros.
Así que si se sienten con ganas de ver un poco mas de hora y media de personajes extravagantes, números musicales estrafalarios, actuaciones que te hacen cuestionar tu sexualidad y mucho corazón y pasión, este es el film para ustedes (los que viven en Capital estén atentos que cada tanto la pasan en el Centro Cultural San Martín).